blog de Wilson Mesa

_ Estatua de MARILYN MONROE _

2011-12-01T21:43:00.015-03:00

Marilyn Monroe tiene su propia escultura en Chicago

Sábado, 16 de Julio 2011 |
Una gigantesca estatua de la famosa estrella de Hollywood, Marilyn Monroe, se exhibe en el Pioneer Court de la avenida Michigan de Chicago (EEUU).

De 8 metros de alto y con un peso de 15.400 kilos, los materiales utilizados para su construcción fueron el aluminio y el acero inoxidable.

La obra pertenece al escultor Seward Johnson; fue titulada "Por siempre Marilyn" (Forever Marilyn) y, en poco tiempo, se ha convertido en un atractivo más de la ciudad de Chicago, ya que todos se acercan para tomarse fotografías.

El artista dio forma a una escultura en la que reprodujo de manera muy realista la más famosa escena de las películas de Marilyn.

Es la escena que inmortalizó la actriz en "La comezón del séptimo año" (1955), cuando al pararse sobre una reja de ventilación en el piso, se le vuela el vestido blanco dejándole las piernas al descubierto.

En esa célebre escena del estacionamiento, el vestido blanco volaba pero no dejaba ver más allá de sus piernas; ahora -debido al tamaño de la estatua- se puede caminar entre ellas y tomar fotos desde abajo de Marilyn. Literalmente.

Mientras los turistas no paran de sacarse fotos con la estatua, algunos ciudadanos y críticos de arte aseguran que se trata de una obra de mal gusto y machista, informó el portal del diario español El País.
Los entendidos en arte tienen como principal argumento en su contra que Marilyn no tiene nada que ver con Chicago, ya que la película original de Billy Wilder, a la que pertenece esa secuencia, está ambientada en Nueva York.
Al estar emplazada en propiedad privada, el gobierno local no evaluó su conveniencia artística o su efecto sobre el turismo. Se limitó a conceder el permiso de colocación.

Los obreros dan los últimos toques a la estatua, aún con la cabeza cubierta.

La escultura se exhibe desde el mes de julio 2011, en una plaza al aire libre, pero dentro de una propiedad privada de la inmobiliaria Zeller, en la avenida Michigan y, en principio, permanecerá allí varios meses más.

Según fuentes extra oficiales, el éxito de la iniciativa, sumado al tamaño de la obra, harían que luego de la primavera de 2012, la escultura comenzara a recorrer los Estados Unidos colocándose en lugares estratégicos de diferentes ciudades del país.

No caben dudas de que Marilyn Monroe se convirtió, luego de su muerte, en un mito. Un personaje que representa la sensualidad y la belleza de una auténtica diva de Hollywood.

Fuentes :
http://univisionchicago.univision.com/entretenimiento/
www.antena3.com/
www.terra.com.ec/
www.elpais.com/articulo/cultura/Marilyn/
Agencia Télam 10/08/2011

_ RUBÉN LENA _ El Maestro poeta _

2011-10-05T21:49:00.011-03:00

Rubén Lena (1925-1995)

(Para visionar el video es necesario detener la música del Blog, si está sonando)

Cuando empieza a amanecer

Cuando empieza a amanecer
y aclarar el horizonte
se comienza a divisar
el negro perfil del monte.

Y ahí está el Cebollatí
como un espejo de lindo
y el lucero está temblando
sobre las aguas del río.

Mañanita no te apures
que el silencio está quietito
y en la punta de los pastos
está dormido el rocío.

El verde oscuro del junco
se hace negro en el bañao
y el Juan Grande anda en los suyo
pensativo y cabizbajo.

La noche se hizo la ciega
pero ha sentido remando
y el río como un gran padre
las soledades velando.

Mañanita no te apures
que el silencio está quietito
y en la punta de los pastos
está dormido el rocío.

,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,Rubén Lena

Biografía de Rubén Lena.

Por Guillermo Pellegrino

"En el barrio España de la ciudad de Treinta y Tres, un 5 de abril de 1925, llegó al mundo el primer hijo de Francisco Lena y Haydée Bulgarelli: Rubén Francisco, "Rubito", tal el apodo familiar.
Como la de muchos chiquilines de ese interior, su infancia transcurrió sin lujos, pero tampoco con grandes necesidades.
"Mi padre era sastre y vivíamos como podíamos -recordó Lena en 1993 en una entrevista que le hiciera CésarDiCandia-
En aquella época todavía se recurría a los servicios de los sastres porque la ropa de confección no era común.
Pero aún así, el dinero que entraba a casa era poco. Eso sí: mentiría si dijera que en algún momento sentí los aspectos desagradables de la pobreza (...). La cosa que para mí aquello era lo normal (...).
Pocos juguetes, poca plata en el bolsillo, pero ropa y comida suficientes.
Fútbol en la calle, caballitos hechos con palos de escoba, grandes matreriadas, que eran un antecedente criollo de las escondidas (...)".

Un día, cuando cumplió 9 años, "El Rubio" (sobrenombre con el que también se lo conocía) recibió como regalo una guitarra y no medió mucho tiempo para que comenzara a tomar clases, pero, por diversas circunstancias (no poseía grandes dotes; el profesor era muy riguroso), abandonó rápidamente.
No parece ser desacertado, entonces, encuadrar a este hecho como su primera aproximación concreta al mundo de la música; sin embargo no lo tuvo demasiado en cuenta las veces que se refirió al tema:
"Mi contacto con la música lo traigo por mi padre y mi madre, la gente mía, pero no por una enseñanza regalada,
ni conocimientos técnicos. Algo muy importante es formar al escuchador de música, y eso yo lo aprendí en casa".
Tras los límites de ese hogar, el niño se setía atraído por los pájaros ylos arroyos, por el monte y el río, por la naturaleza toda; y completaba, sin inconvenientes, la primaria y la secundaria.
Al concluir el liceo viajó a Montevideo a hacer preparatorios en el I.A.V.A: tenía en mente ser escribano.
Un par de años le bastaron para convencerse de que no era lo que realmente quería. Regresó a Treinte y Tres. Extrañaba.
Durante la breve etapa montevideana, y un poco antes también,
gastaba buena parte de su tiempo leyendo los muy diversos libros que caían en sus manos: lo impactó uno de ellos
("La eseñanza primaria en el medio rural", de Agustín Ferreiro), que vino a oficiar como premonición de
algunos vientos que soplarían en su recorrido vital.

El estudiante de magisterio.
En 1947, casi por casualidad, y a través de la invitación de unos amigos, ingresó a la carrera magisterial. Lena siempre recordó con gran alegría aquella etapa:
"Mi vida de estudiante en Treinta y Tres era de una bohemia inolvidable. Nuestro lugar permanente de reunión era el rancho del Nico, un albañil solterón y prácticamente analfabeto, muy querido por todos y muy ocurrente. De día, en su ausencia, se convertía en lugar de estudios, y de noche, en centro de jornadas de tortas fritas, cuentos interminables, cantarolas, mateadas y cañas cuando había con qué, o sea casi nunca. Otras veces hacíamos grandes pucheros con gallinas, que robábamos por el barrio. El rancho tenía una sola pieza y sobre el piso de tierra apenas cabían una cama, una mesa, un armario, algunos banquitos y un pizarrón, que era la puerta vieja de un ropero de la casa del Garufa Gadea, un amigo del alma fallecido luego de soportar la cárcel de la dictadura. La cumbrera estaba rota y el techo, sostenido por un varejón, amenazaba caerse aplastándonos a todos (...)".

El boliche La Vaca Azul, al igual que el rancho del Nico, fue otro de los sitios que por aquel tiempo
se había convertido en "parada obligada" de muchos jóvenes treintaytresinos.
"En ese boliche transcurrió mi adolescencia y mi primera juventud.
Era una provisión que estaba en la esquina de Manuel Meléndez y Celedonio Rojas.
El nombre se hizo conocido porque después se le dio esa denominación a un cuadro de fútbol.
Más que una provisión -verdaderamente- era un lugar donde se reunía una cantidad de gente,
de amigos, de jóvenes de la época a charlar y a gastar el tiempo entre compañeros (...)".

Otro de los tantos esparcimientos, y después de dejar las novias en sus casas, era ir a algún baile de la orilla: uno de los más populares era el de Cachango (personaje que quedaría inmortalizado en los primeros versos de su famosa canción "De cojinillo"), vendedor de diarios que organizaba fiestas en su rancho.

Periplo del Maestro rural.
Al terminar magisterio, en 1949, tuvo su primer destino en la escuela Nº 44 de Sierras del Yerbal, muy cerca de la Quebrada de los Cuervos. "Ahí empecé a intimar con el otro Uruguay, el que tan pocos conocen.
No era una zona extremadamente pobre, casi todos los vecinos tenían sus pequeños trabajos, pero el desconocimiento por ciertos temas impresionaba, sobre todo a mí, que recién recibido me enfrentaba a ese mundo por primera vez. Lo que también agobiaba era el aislamiento. La única forma de salir de allí era a caballo, pero como los caminos eran altos, de sierra, al menos no sufríamos los barriales.
De cualquier forma, llegar a Treinta y Tres nos llevaba sus buenas horas, porque no existía ningún medio de locomoción mecánico.
Tampoco había radios, porque carecíamos de energía eléctrica, de manera que ni siquiera sabíamos qué pasaba en el resto del mundo. En las oportunidades que viajábamos al pueblo, no más de una vez al mes, teníamos que ponernos al día en todo. Incluso visitando el bajo, porque para curas no habíamos nacido (...)".
En los dos años que pasó en esa escuela, pudo conocer mejor a la que hasta ese momento consideraba "una amante inoportuna": "Aprendí a disfrutar de la soledad, conviviendo con ella, conversando con ella, teniéndola por amiga y confidente. En la soledad uno se encuentra a sí mismo, reflexiona sobre cosas que antes le pasaban al lado y no las veía, comienza a preguntarse los porqué de tanta injusticia, de tanta marginación, de tantos destinos miserables que pasan inexorablemente de padres a hijos".
En la letra de "La ariscona", años después, pintaría aquel paisaje y a algunos de sus habitantes: "Esta milonga es milonga/ y es de Sierras del Yerbal/ me la contaron las grotas/ y las piedras de afilar;/ el rumor de romerillo/ y el viento en el carobal/ y la mirada ariscona/ del animal montaraz./ Me parece que la oigo/ en un rosillo pasar,/ el jinete va chiflando/ y es el Indio Baladán (...)".
Mientras se encontraba realizando sus experiencias iniciales como maestro, conoció al errante salteño Víctor Lima (a la postre el segundo alimentador de canciones de Los Olimareños; es poco lo que se sabe de él a pasear de la trascendencia que tuvo) quién, al igual que a varios otros jóvenes de la época, lo impresionó: "Lima representaba un sacudimiento de belleza profundo y extraño a la vez. Era un hombre que no le importaba otra cosa que estar creando y cantando (...). Tenía una voz hermosa y alguna originalidad. Cantaba a capela -no le gustaba que lo acompañaran- y lograba concitar la atención de todos, gente letrada y gente de campo, de poquísima cultura".
Al concluir sus tareas en la escuela Nº 44 ganó un concurso por el cual lo destinaron a otra ubicada en Arrayanes de Corrales de Cebollatí, en la zona más baja de los arrozales.

Poco tiempo antes, en marzo de 1953, se había casado con la maestra Justita (como siempre él la llamó) Lacuesta, quien sería su compañera hasta el final de sus días. Allí estuvieron cuatro temporadas, lo suficiente como para comprobar los muchos obstáculos que debían -y aún deben- sortear los maestros.
En esos años, los nacimientos de sus dos primeros hijos (Eduardo y Fernán) vinieron a mitigar, de algún modo, las dificultades con las que la pareja se topaba en sus cotidianos quehaceres.
Un poco por su constante preocupación e interés sobre estas problemáticas, resultó elegido presidente de la Comisión pro superación de la escuela rural, cuyo objetivo era apoyar un nuevo programa para esas escuelas.

Al finalizar su ciclo en Arrayanes de Corrales de Cebollatí, fue nombrado -concurso previo- como director de la escuela Nº 3 de Villa María Isabel (también conocida con el nombre de Isla Patrulla), pequeña localidad rodeada de sierras, a 40 Km. de la capital departamental.
En las dos temporadas que aquí pasó, ya con mayor experiencia, pudo poner en práctica gran parte del ambicioso programa para la superación y desarrollo de los desatendidos establecimientos educativos rurales.

Dos acontecimientos vitales.
En un breve lapso que va desde el último año de la década del 50 hasta los dos primeros de la siguiente, se produjeron un par de acontecimientos que muy bien pueden considerarse como una bisagra en su actividad de "hacedor de canciones", tal como le gustaba que lo llamasen.

El primero de esos acontecimientos fue el viaje que la pareja emprendió a San Cristobal (Venezuela), becada por el Centro Interamericano de Educación rRral. Esta experiencia resultó altamente positiva ya que, además de tomar contacto con el rico folklore de aquel país, también logró confirmar que el Uruguay carecía de un cancionero propio, todos los maestros de los demás países cantaban sus canciones menos los uruguayos, que en ese entonces estaban muy influenciados por el folklore argentino
(La zamba "La uñera", primera canción que tomó estado público y que con música de Facundo Vega compuso en 1952, es un ejemplo claro). Dicha comprobación, de alguna manera, resultó el puntapié inicial para que a su vuelta,
con mayor ahínco aún, encarase lo que él consideraba una misión: crear canciones identificatorias, sabiendo muy bien por qué y para quién.
Es importante destacar, asimismo, que ya hacía un tiempo un grupo de artistas uruguayos (Osiris Rodriguez Castillos, Amalia De la Vega, Carlos Molina y Aníbal Sampayo, entre los más destacados) estaban bregando por imponer una canción nacional.

El otro acontecimiento importante (tanto para el Lena creador como para la nueva canción popular uruguaya) fue cuando conoció y luego comenzó a colaborar con Pepe Guerra y Braulio López, dos jóvenes treintaytresinos que andaban buscando canciones que hablaran del hombre nuestro.
A partir de ese encuentro, lo que el maestro componía pasó a tener un nuevo destinatario: el dúo Los Olimareños, pronto, se transformaría en un vehículo fundamental para su canción.

El don de la síntesis.
Al regresar de Venezuela, donde estuvieron un año, le asignaron el cargo de director en una escuela de su ciudad: la Nº 73 del barrio 25 de agosto. En esas jornadas, a pesar de las muchas obligaciones que debía cumplir como director del establecimiento y padre de tres hijos (en el 62' había nacido Rodrigo), se hacía tiempo para, en pos de una educación integral y comunitaria, complementar su labor docente con otras tareas como la de alfabetización, la de tomar fotografías y exponerlas luego, o la de dirigir técnicamente a un equipo de fútbol barrial.
Pero como quedó dicho, todo lo vinculado con la creación era su mayor interés de entonces: en el diario de esa escuela, casualmente, publicaría un primer cancionero y casi al mismo tiempo aparecerían letras suyas en medios de Montevideo y Treinta y Tres; es también en esa época el punto de partida para varias de sus más famosas composiciones como "Isla Patrulla", "De Cojinillo" y "A don José", con la que trató, según sus propias palabras, "de acercar al héroe al pueblo, de buscar una imagen popular de Artigas".

Desde esos primeros intentos, y en cuanto a la canción y su camino vital, "Rubito" tuvo algunas convicciones:
"Si queremos ser populares, debemos lograr llegar a la gente, no culpar a otros de que no lleguemos. Y ésto es un verdadero martirio para el creador: alcanzar un producto que sea comprensible a todos, pero sin perder calidad".
No es arriesgado decir que, en su vasta trayectoria, Lena supo adquirir gran destaque en esa difícil empresa que es el "escribir simple y con profundidad a la vez":
seguramente que para lograrlo, su muy buen poder de síntesis debió haber jugado un papel fundamental. Un recuerdo que rescata su mujer -en una entrevista que le realizara el comunicador Schubert Flores-, Lena y Justita disfrutando unas pizzas, sirve para dimensionar, de algún modo, aquel particular don: "Si yo escribía un texto en el que utilizaba dos carillas, él lo revisaba, lo reescribía y me lo dejaba en media carilla: ¡y decía lo mismo!".

Por los que más necesitan.
En los albores de esa década del 60', cuando la televisión aún no había alcanzado gran desarrollo, la popularidad de la radio jugó un papel fundamental para la difusión de esa nueva canción uruguaya.
Los Olimareños realizan importantes actuaciones en los diversos auditorios de las emisoras y sus temas (que como la de muchos otros hasta allí no tenían un contenido tan político) comienzan a hacerse más conocidos, a representar y a expresar al pueblo. Es así que en parte de este fecundo período, los textos de Lena buscaron apuntar al hombre común, el que muchas veces es olvidado :
"Yo siempre he tirado para el mismo lado. Siempre he querido hacer sentir las mismas cosas.
A veces pude hacerlo y a veces no. Pero siempre pienso en los que menos tienen, en los que necesitan más".

Estaba convencido, además, que la canción tenía que tener algún contacto con la realidad, con la experiencia vivida, tal el caso, por ejemplo, de "¿No lo conoce a Juan?" o "Pobre Joaquín", letra ésta de claro corte social surgida después de haber leído en el diario que una persona había muerto de frío y que nadie en el pueblo sabía quién era: el hecho de que ese hombre no tuviera identidad ni el día de su muerte lo había conmovido sobremanera.
"Yo le miré los ojos al Joaquín/ y de puro buenos me decían:/ el no comer no mata,/ mata el odio y la envidia./El hombre ya se sabe que está aquí/ condenado desde el nacimiento/ y el hambre no le importa,/ la engaña con un sueño (...)".
En muchas de las canciones de esa etapa, también, recurrió a letras de corte costumbrista, como "De lavandera a laguna" o la popular "De Cojinillo", en la que aparecen personajes reconocibles. "Cuando suena el acordeón en lo e' Cachango/ y es asunto delicao./ Jiede a vino hasta con la boca cerrada/ y anda de ojo revoleao.../ Cuando venga Camundá sacando pecho/ no hay ambiente pa'dentrar./ Tienen miedo las mujeres que haiga lío/ y ya están por disparar (...)".
Así, además de Cachango, menciona a Camundá (un temido "matón" de pueblo, permanente generador de reyertas), al Nico, al Franela, a Juanita, a la Papa Madre y a María, entre varios.

Con este tipo de textos, más algunos de revisión histórica ("A Simón Bolivar", "Banda Oriental, 1811", "Al general Leandro Gómez"); algunos de carácter contestatario ("Rumbo", "El cuello de botella", "Desde una rama", "Campo grande") y otros destinados a un público infantil ("El mangangá", "Carta de un niño treintaytresino", "El botellero"), Lena nutrió a buena parte del naciente Canto Popular Uruguayo.
"Cada canción es una aventura -le comentó en una oportunidad al periodista Antonio Dabezies-, uno no sabe qué va a pasar con ella. A veces se tiene una disposición de espíritu especial, y la idea original camina más rápido, pero lo que va a salir, en definitiva, no se sabe. Algunas canciones han salido casi de entrada, pero en general, las trabajo mucho".
A pesar del tiempo que le dedicaba a su tarea, nunca tuvo una regla fija ni una rutina como creador: "A veces es una melodía, una música que se escucha y nos hace escribir. Otras ocasiones es la letra, es una idea que nos está rondando en la cabeza, y uno comienza a trabajarla, y a veces la termina antes de que llegue la música".

Métodos para componer.
Si bien su producción ha contado con varios textos de excelente nivel poético que se sostienen por sí solos ("Una de amor y ausencia", "Cuando empieza a amanecer" o "Retirada", son tres ejemplos En pleno proceso de composición.testigos, entre otros tantos), a la gran mayoría de ellos los ideó y paralelamente les adhirió una melodía. "
De la guitarra sé lo suficiente como para saber que no sé nada", había deslizado en alguna ocasión. En verdad, contaba con un oído finísimo y sabía algo más que los tres o cuatro tonos que el Indio Baladán le había enseñado en su primer destino como maestro rural. La pregunta, ante esa realidad, surge casi en forma espontánea:
¿A sabiendas de las rudimentarias nociones que Lena tenía sobre música, qué método utilizaba para componer?. Con esos escasos acordes que conocía, "sacaba" la música a su modo, debiendo repetir la ejecución varias veces para que alguien, a pesar de las dificultades que presentaba la interpretación, pudiera pasarla al pentagrama en el tono exacto y el ritmo justo.
En esa época, y para poder contar con mayores recursos, "Rubito" había empezado a estudiar piano. Con la aparición del grabador eléctrico, el método fue cambiando y las traducciones y procesos mejoraron ostensiblemente.

El nacimiento de Zenobio Rosas.
En el primer lustro de la década del 60, Los Olimareños ya habían grabado varios discos y su repertorio -alimentado mayormente por canciones de Lena- comenzaba a ensancharse. Ante ese panorama, un día sintió la necesidad de crear una especie de alter ego que oficiara de "padre" en algunas de sus obras.
"En 1967 (N. del A: año en el que también nació su hija Anaydée, su cuarta hija) pensé que para no aburrir al público con un nombre que se repetía muchas veces, debía firmar algunas canciones con el de Zenobio Rosas, al cual supuse una posible vida para que los cantores la contaran episódicamente, por aquello de que siempre se quiere saber quién es el autor". E
l mismo explicó muchas veces que el tema no quedó claro y que, a raíz de eso, las canciones a veces aparecían con su nombre y otras con el de Zenobio Rosas.

Detrás de Momo.
El Canto Popular Uruguayo, a esa altura, tanto en las temáticas que abordaba, en el tratamiento de los textos, como en el uso de formas musicales, había evolucionado mucho. Pero aún había bastante por hacer, Lena lo sabía: "Siento que en cada canción debo descubrir algo nuevo y verdadero, para no repetir moldes extraños y objetos ya logrados. Me siento libre de intentar cualquier innovación y responsable (aunque nadie me haya entregado tal responsabilidad) por cada nuevo logro". En su afán por crear una canción que tuviera originalidad, buceó en muchas de nuestras formas musicales. Uno de esos "experimentos" lo conoció el público en 1971 cuando se editó "Todos detrás de Momo" (en coautoría musical con Los Olimareños), un disco que después de unos años fue considerado como de ruptura. En ese fonograma, el maestro fue el primero que fusionó el folklore con la murga. "Cuando junté la murga con letras camperas yo ya estaba en Montevideo (N. del A: En 1968 había ido, por dos años, a perfeccionarse al Instituto magisterial superior) y me había gustado el hacer de las murgas.
El trabajo lo realicé un poco a la manera de tierra adentro, porque afuera también existen los carnavales. Quizás las cosas que cuentan las letras no sean montevideanas, o resulten extrañas a los montevideanos, pero yo ahí le canto a las cosas sencillas del interior, a esa picardía que lleva la murga consigo. Y hay una cantidad de cosas que se mezclan en la ciudad y en el campo. Hay préstamos en la ciudad, y préstamos en el campo. Remates en la ciudad, y remates en el campo... Son temas que la murga utiliza, no importan que sean de la ciudad o el campo. Por ejemplo, en Isla Patrulla se disfrazaban, y todos se mataban de risa. Claro, de repente aparecía una mascarita, y uno la identificaba por el caballo, que era el mismo de todos los días (...) Yo tomé prestado entonces del campo cosas que para nada creo se salieran del espíritu de una murga".

En el anterior testimonio se aprecia que, por su origen y luego a través de la experiencia acumulada, Lena se movió alternadamente entre lo rural y lo urbano.
En más de una oportunidad hizo hincapié en esas dos verientes en las que -en teoría, y siempre con independencia una de la otra- podía abrevar la canción popular.
"Hay dos tendencias que se inclinan una más hacia lo rural y otra más hacia lo urbano. Más que líneas son anchas pistas. Si se excluyen o se desdeñan me parece que adoptan una posición equivocada. Nadie puede ingorar el campo en nuestra vida diaria. Montevideo en ciertas épocas y a ciertas horas huele a asado. No hay carretera sin su pila de sandías. No hay vereda tranquila donde no brote el pasto por las grietas de sus baldosas".

El silencio impuesto.
La coyuntura marcaba que, en aquel Uruguay de comienzos de la década del 70', había, sí, baldosas agrietadas y pastos nacientes, pero pocas, muy pocas veredas tranquilas. Las sucesivas huelgas, las movilizaciones en masa, las ocupaciones de fábricas y la represión policial habían transformado la convivencia social y sido el germen de un clima de enfrentamiento hasta ese momento poco frecuente. El país, al igual que otras naciones vecinas, ingresaba en un terreno de agitación extrema: frente a la violencia desatada desde el gobierno, se organiza la violencia revolucionaria. El ambiente fue tensándose en ambos bandos llegando, en 1972, al extremo de polaridad. Lena, como muchos hombres sensibles vinculados a la cultura, sabía que gran parte del aire estaba contaminado, y desde sus letras alertaba que podía viciarse aún más: "Viene que se viene del suelo/ noche, la más dura mañana/ viene la tormenta cercana/ dando manotazos al cielo". La tormenta, como era previsible, se desató en junio del 73' cuando los militares tomaron el poder. Ese mismo día, por cadena nacional, leyeron el decreto que anunciaba la disolución de las cámaras y el final de las libertades públicas.
No tuvieron mejor idea de elegir como cortina del comunicado la canción "A don José", decisión que a la distancia temporal se la puede advertir como un doble contrasentido: 1) porque si bien quisieron apropiarse, o en el mejor de los casos "neutralizar" la figura de Artigas, eligieron una canción-símbolo de Rubén Lena quien, a pesar de haber sido uno de los tantos uruguayos que no marchó al exilio, lejos estuvo de adherir a ese golpe de estado; y 2) porque a esos mismos jerarcas de la dictadura, tres años después, no les tembló es pulso cuando tuvieron que firmar el documento por el cual lo cesaron -sin sueldo ni derechos jubilatorios- de su cargo de inspector escolar, ni tampoco la voz cuando tuvieron que negarle una prórroga que él había pedido para continuar con su labor docente.

Crear a pesar de la censura. Desde sus inicios, la política cultural de los militares se había caracterizado por su arbitrariedad. Los Olimareños, más temprando que tarde, fueron prohibidos a través de un decreto oficial y, por extensión, Lena también pasó a engrosar la amplia lista de castigados.
"Todos estos tristes hechos, para mi esposo, resultaron ser como una primera muerte", afirma Justita sin vacilaciones. Ante el gris panorama, no parece exagerado decir que eran contados los motivos que lograban matizar con otro color su espíritu: el nacimiento de sus primeros nietos y la posibilidad de grabar (concretar un viejo anhelo) junto con Eduardo Larbanois un disco llamado "Presentación de Gabriel Gerra", en homenaje al poeta treintaytresino nacido en el siglo XIX, fueron algunos de ellos.

A todos los sinsabores antes mencionados, debe sumársele que ya no contaba con la vital compañía de ciertas personas allegadas, muchas habían marchado al exilio, algo lógico teniendo en cuenta que todos los canales de expresión continuaban anegados. La vida en aquel Uruguay, tanto para él y otros creadores, lo mismo que para varias murgas (clara expresión de la sátira socio política), a pesar de los pesares, continuaba. Había que seguir creando: el gran enigma era cómo, de qué manera sortear la férrea censura impuesta desde los altos mandos. Así, potenciando la imaginación, recurriendo constantemente a figuras, a elipsis, y en el siguiente caso, solapada en lo que parecía ser una ingenua canción campesina. Lena marcaba, por ejemplo, la presencia acaparadora del gobierno militar: "Cada vez que miro verde/ se vuelve verde el mirar/ mis ojos saben de verde/ porque son del Uruguay".

En ese período pasaba largas horas recluido en su casa. El ahora ex maestro, con la posibilidad coartada de un contacto diario con los niños de la escuela, aún tenía mucho para dar; apenas había pasado los 50 años, pero ante la cruda realidad se le hizo dificultoso el saber donde volcar adecuadamente sus energías. Solo algunas tareas que realizó en la estación de servicio del hoy intendente de Treinta y Tres Wilson Elso Goñi le sirvieron para evadir aquella pesada rutina. Su mujer, con quién la dictadura también se ensañó al despojarla del cargo de dirección que desempeñaba, era la que con gran esfuerzo llevaba adelante el hogar.

En 1980 la familia decide trasladarse a Montevideo. Ese mismo año, y a pedido de Washington Benavides (que casualmente junto con él y Víctor Lima constituye la "trinidad" de autores -no intérpretes- más importantes de nuestra canción popular), "Rubito" realiza una selección de sus canciones, adhiriéndoles un texto breve que sirve para introducir al lector a cada una de ellas. El libro salió ese año, se llamó "Las cuerdas añadidas", y fue publicado por Banda Oriental. En 1982, y por el mismo sello editorial, apareció un libro de relatos que llevó por nombre "Vagabundeos y canciones de Zenobio Rosas".

Alumbramientos y Sombras.
El sol de la democracia, finalmente, salió para alumbrar -al menos por un ciclo breve- sus días. A la par de que en un acto de justicia fuera restituido a la labor docente como Inspector de Primaria en Montevideo, varios artistas y compañeros comenzaron a retornar de los respectivos exilios. La canción popular -tal vez por haber sido tanto tiempo silenciada- cobró una inusitada dimensión y llegó a su máximo nivel de divulgación: como nunca antes, aparecieron revistas especializadas, se montaron en estadios varios recitales de carácter masivo y la venta de discos alcanzó cifras importantes. Aprovechando ese contexto, y conociendo muy bien los duros momentos que "Rubito" había tenido que atravesar, el sensible "Bocha" Benavides le encargó -para inyectarle aún más motivación- que hiciera una recopilación del cancionero de Los Olimareños. Con el final de la esmerada tarea, salió a relucir también su gran humildad: habiendo sido, como era de conocimiento público, el principal mentor del dúo, optó por incluir un solo tema de su autoría. Por suerte primó la sensatez de algunos funcionarios de la editorial que decidieron completar el cancionero con varias de sus letras más populares.

Seguidamente a aquel alumbramiento democrático, una serie de insucesos arrimaron viejos nubarrones a su existencia: un accidente cerebro-vascular lo dejó hemiplégico y al tiempo, la sorpresiva muerte de su hijo Fernán, acentuó el derrumbe. Fue muy poco lo que pudo hacer en esos últimos años. Escribió algunas letras de canciones, compuso dos tangos y, con la invalorable ayuda de Justita, logró darle el cierre final a su libro "Meditaciones". Murió en silencio, siete meses después de cumplir 70 años.

El mismo Lena que más de una vez había asegurado que "la única medida de una canción era resistir", ensayó antes de marcharse otra definición en la que hizo un paralelismo con un habitante de la naturaleza que tanto amó:
"La canción tiene que ser como un pájaro -le dijo con su hablar pausado a Mario Carrero-,
y ese pájaro tiene que llamar la atención de la gente. Pero cuando la gente se le aproxime, el pájaro deberá volar, ni tan lejos como para perderse de vista, ni tan cerca como para que pueda ser capturado fácilmente"."
.........................................................................Guillermo Pellegrino

22 de SETIEMBRE _ DÍA DEL MAESTRO en el URUGUAY _

2011-09-22T07:55:00.007-03:00

(Alumnos y Maestra de Esc. Nº 47, Florida)

CANTO AL MAESTRO

Maestro:
sembrador que viertes en mi sangre
-por el surco del ojo y del oído-
la palabra y el acto y el ejemplo;
verbo y libro,
semilla de semillas
para la maravilla del brote sobre el brote,
del brote sobre el niño.

Maestro:
yo no quiero decirte cuatro frases corrientes,
conceptos repetidos
de lo que te debemos.
Los hombres, los niños...

Yo no quiero decirte lo que todos sabemos
eso que se declama en los banquetes al oficiar el vino,
y entra en la acústica de las copas
como entra en los oídos...
Yo quiero decirte –maestro, maestra-
eso mismo, eso mismo,
pero con palabras jerárquicas,
a punta de canto y de ritmo.

Yo quiero decirte, maestro, maestra,
como un canto secreto, así, al oído,
que sueles ser más padre y más madre
que los padres mismos.
¡Cuántas veces los padres,
luego de haberlo sido
fatalmente una vez
por mandato supremo de Cupido,
olvidan su misión
y te entregan un hijo
cual sacándole el cuerpo al sacrificio,
y entonces tú, palpando la tragedia
que abre sus alas por detrás del niño,
le das calor de números y letras,
¡pero, por sobre todo, de cariño!

Maestro de todos los días,
con ganas y sin ganas, con calor o con frío,
con sol o con luna, con luces o con sombras,
campeón sin horario ni tiempo fijo,
maestro total a toda hora,
maestro hasta en el sueño, hasta dormido,
marinero perniabierto sobre la proa,
despejando las rutas que aclaran los destinos,
los destinos tuyos –hombre de la calle-,
que se están prolongando en tus hijos.

Maestro:
sembrador sin ruido,
el que envejece y muere sin recoger el fruto
de su sacrificio,
el que siembra semilla de cultura
y riega el surco con lágrimas como la aurora lo riega con rocío;
si el año se siente generoso
por el hecho de haberte regalado un día,
yo digo, yo canto, yo grito
que “el día del maestro” no es un día,
mentira,
¡porque son los trescientos sesenta y cinco!

Maestro:
sembrador en la carne que aún no es tierra;
sembrador en el brote que aún no es flor;
sembrador en el hombre que aún no es hombre;
sembrador en el cielo que aún no es cielo;
sembrador en el ángel,
sembrador en el ángel...

Maestro:
¿dónde guardas tu cosecha que no es tuya,
de todas las horas, de todos los días, de todos los años?
Tu cosecha es sagrada; se denomina: Pueblo.
Tu granero es inmenso; se denomina: Patria.

Fernán Silva Valdés

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_ "La Sociedad de los Poetas Muertos" _ MARIO BENEDETTI

2011-09-15T10:37:00.006-03:00

Mario Benedetti, este 14 de setiembre, cumpliría 91 años.

Mario Orlando Hardy Hamlet Brenno Benedetti Farrugia, -que es su nombre completo- nació en Paso de los Toros, Tacuarembó, Uruguay, el 14 de setiembre de 1920. Murió el 17 de mayo del año 2009, en Montevideo. El mundo entero lo admira y lo recuerda.

Con este poema, dicho por él mismo, lo tenemos presente, como siempre.

SOLEDADES

Ellos tienen razón

esa felicidad

al menos con mayúscula

no existe

ah pero si existiera con minúscula

sería semejante a nuestra breve

presoledad

después de la alegría viene la soledad

después de la plenitud viene la soledad

después del amor viene la soledad

ya sé que es una pobre deformación

pero lo cierto es que en ese durable minuto

uno se siente

solo en el mundo

sin asideros

sin pretextos

sin abrazos

sin rencores

sin las cosas que unen o separan

y en esa sola manera de estar solo

ni siquiera uno se apiada de uno mismo

los datos objetivos son como sigue

hay diez centímetros de silencio

entre tus manos y mis manos

una frontera de palabras no dichas

entre tus labios y mis labios

y algo que brilla así de triste

entre tus ojos y mis ojos

claro que la soledad no viene sola

si se mira por sobre el hombro mustio

de nuestras soledades

se verá un largo y compacto imposible

un sencillo respeto por terceros o cuartos

ese percance de ser buena gente

después de la alegría

después de la plenitud

después del amor

viene la soledad

conforme

pero

qué vendrá después

de la soledad

a veces no me siento

tan solo

si imagino

mejor dicho si sé

que más allá de mi soledad

y de la tuya

otra vez estás vos

aunque sea preguntándote a solas

qué vendrá después

de la soledad.

MARIO BENEDETTI

_ "GUITARRAS CON ALMA" _ BERTA ROJAS _

2011-09-04T23:11:00.008-03:00

(Berta Rojas, guitarrista clásica, paraguaya)

"GUITARRAS con ALMA" _ La idea es hacer un ciclo en el que vayan apareciendo conciertos de grandes guitarristas del mundo, interpretando temas clásicos, folcklóricos y populares. Esta vez es BERTA ROJAS, tocando "Las Abejas", de Agustín Barrios "Mangoré", compositor paraguayo de obras para guitarra clásica e intérprete él mismo.

BERTA ROJAS

Berta Rojas, es una guitarrista clásica, nacida el 23 de setiembre de 1966, en Asunción del Paraguay. Es una artista cuya versatilidad le permite moverse con comodidad tanto en la música clásica como en cualquier otro estilo musical que se proponga.
Elogiada por el Washington Post como..."Guitarrista Extraordinaria"..., es considerada actualmente por su talento musical, como una de las mejores guitarristas de su generación, y la más capacitada técnicamente para interpretar las obras del genial compositor paraguayo Agustín Barrios.
Como solista, ha cautivado a los amantes de la música en toda América, Europa y Asia. Además de su talento musical, ocupa un rol importante como promotora del arte de otros artistas sudamericanos, especialmente de su tierra natal, Paraguay.
Ha producido una serie de conciertos en Europa, donde reside, introduciendo en ellos la música folcklórica de artistas de América Latina.

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_ "El Día de la Independencia" _ 25 de Agosto de 1825

2011-08-24T09:09:00.004-03:00

(foto de la "Piedra Alta" en la ciudad de Florida, junto al río Santa Lucía)

“El Día de la Independencia”

Hay muchas personas que consideran que el 25 de Agosto no es una fecha digna de conmemorar y que no hay que tomarse muy en serio el “Día de la Independencia”.
No es mi intención polemizar. Pero puede ser interesante que los lectores conozcan otras aristas de dicho acontecimiento histórico.
Sobre todo teniendo en cuenta que, en este “año del bicentenario”, los acontecimientos del año 1825 ya no estarían coincidiendo con los festejos oficiales del mismo y muchos nos podríamos preguntar ¿bicentenario de qué?
Desde la escuela se nos ha enseñado a conmemorar la proclama de la Piedra Alta de la Florida como el día en que fuimos independientes; tal vez con cierta falta de información por parte de los docentes -entre los cuales me incluyo- o, simplemente, por falta de una mayor investigación sobre el por qué de la particular redacción de las tres leyes de la Florida.
Pero cuando se rastrea en distintas fuentes históricas la razón de esa redacción, que parece a contrapelo de lo que significa ser independiente; puede llegarse a pensar que los integrantes de la Sala de Representantes no cometieron ningún error histórico imperdonable, sino que fueron coherentes con las ideas federalistas, que Artigas había marcado con su pensamiento y con su accionar político-militar desde 1811.
Conviene recordar que la “Declaración de la Florida” sucedió cuatro meses después de la Cruzada Libertadora del 19 de Abril de 1825.
Recordemos también que en la inmediata campaña libertadora (contra el dominio luso-brasilero) participaron todos los principales capitanes artiguistas: Lavalleja, los Oribe, Zufriategui, los Spikerman, los Rivera, etc.
Visualicemos el hecho de que Artigas al retirarse al Paraguay en 1820, envía a sus jefes, prisioneros en Brasil, los últimos fondos que le quedaban al ejército oriental (los famosos 4 mil patacones y 25 onzas de oro) para que ellos continuasen la guerra contra el opresor.
El sargento guaraní Francisco de los Santos fue el encargado de cumplir esa misión llegando a caballo hasta Río de Janeiro (más de tres mil kilómetros).
Allí estaban Lavalleja, Manuel Artigas, Otorgués, Andresito, Leonardo Olivera y otros jefes artiguistas. La mayoría de los cuales, cinco años después, aparecen formando parte de la Cruzada Libertadora que desembocará en los hechos de la Florida.
El 20 de Agosto de 1825 queda definitivamente instalada la Honorable Sala de Representantes de la Provincia Oriental, bajo la presidencia de Juan Francisco Larrobla. El 22 de agosto, la Sala de Representantes nombra a Juan Antonio Lavalleja como Gobernador y Capitán General de la Provincia Oriental.
De la misma Sala de Representantes surgen las tres Leyes Fundamentales que se aprueban el día 25: la Ley de Independencia, Ley de Unión y Ley de Pabellón.
Tanto los guerreros patriotas como los representantes de los Cabildos reunidos en la Florida, no tenían -para nada- la idea de declarar totalmente independiente este pequeño territorio al que había quedado reducida la otrora gran Banda Oriental.
Se trataba de liberarse de los reinos de España, Portugal y del Imperio del Brasil, pero para unirse a la Patria Grande que soñaba Artigas y que en algún momento lideró desde Purificación.
Este espíritu parece ser, según muchos historiadores, el que campeaba en la redacción de las “Leyes del 25”.
Es más, hay quien cree apreciar un mensaje subliminal en la elección de los colores de la bandera establecida en la “Ley de Pabellón”, similares a la bandera de Paraguay, país en el que se encontraba el General Artigas refugiado. Pero esto no pasa de ser una suposición, ya que todas las Provincias de la Liga Federal tenían en sus pabellones los tres colores (azul, blanco y punzó), identificados con el artiguismo, indudablemente.
Sí se sabe ciertamente que Artigas no estuvo de acuerdo con la Jura de la Constitución de 1830, la que institucionalizó al Uruguay como país soberano.
Y que, tal vez, esa fue la razón de que el Prócer nunca más pensara en regresar, a pesar de que varias delegaciones fueron a tratar de convencerlo para volver al país.
Ésta ya no era “su” patria. El sueño federalista había sido aniquilado.
Porque en 1828, mediante un Tratado (Convención Preliminar de Paz), firmado en Río de Janeiro, por Brasil, “Buenos Aires” e Inglaterra, estas representaciones, acordaron darle soberanía a la Provincia Cisplatina (ex Banda Oriental, ex Provincia Oriental), sin que hubiera representación oficial de los orientales.
En realidad Inglaterra lograba un Estado “tapón” que terminara con la guerra entre Argentina y Brasil y abriera un mojón comercial en el Río de la Plata para sus intereses.

De manera que así como algunos piensan que pudimos ser argentinos; pudimos también ser ingleses o brasileños, porque eran muchos los intereses que jugaban en el nacimiento de nuestra "independencia", y cualquiera de esos Estados hubiera sido gustoso de anexarnos a sus dominios territoriales.
En todo caso podríamos decir que el Uruguay, como país independiente, es un producto del accionar de criollos que aceptaron desvirtuar el pensamiento artiguista para acomodarlo a otros intereses.
Muchos historiadores ya han explicado sobradamente cómo sucedió todo.

Wilson Mesa

_ Poetas Cantados _ MIGUEL HERNÁNDEZ _

2011-08-09T09:06:00.008-03:00

(Miguel Hernández _ España (1910-1942)

Para la Libertad

Para la libertad sangro, lucho y pervivo.
Para la libertad, mis ojos y mis manos,
como un árbol carnal, generoso y cautivo,
doy a los cirujanos.

Para la libertad siento más corazones
que arenas en mi pecho. Dan espuma mis venas
y entro en los hospitales y entro en los algodones
como en las azucenas.

Porque donde unas cuencas vacías amanezcan,
ella pondrá dos piedras de futura mirada
y hará que nuevos brazos y nuevas piernas crezcan
en la carne talada.

Retoñarán aladas de savia sin otoño,
reliquias de mi cuerpo que pierdo en cada herida.
Porque soy como el árbol talado, que retoño
y aún tengo la vida.

Miguel Hernández

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_ "GUITARRAS con ALMA" _ LIONA BOYD _

2011-08-02T09:38:00.013-03:00

"GUITARRAS con ALMA" _ La idea es hacer un ciclo en el que vayan apareciendo conciertos de grandes guitarristas del mundo, interpretando temas clásicos, folcklóricos y populares. Esta vez es LIONA BOYD, tocando la "MALAGUEÑA", composición para guitarra española.

LIONA BOYD

Liona Boyd es conocida como "La Primera Dama de la Guitarra". Su abuela viene de Linares, la ciudad en la cual nació Andrés Segovia, y su padre creció en Bilbao, pero Liona nació en Londres, Inglaterra.

Ella llegó a Canadá a la edad de 8 años, por lo que también se le considera canadiense. A la edad de 14 años pidió a sus padres una guitarra como regalo de Navidad.

Después de escuchar un concierto del gran guitarrista inglés Julian Bream, Liona estaba determinada a dominar el instrumento.
Siendo aún una adolescente tomó clases privadas con Eli Kassner, Narciso Yepes, Alirio Diíz, Julian Bream y el legendario guitarrista Andrés Segovia que escribió :
" Puedo predecir que Liona tendrá una magnífica carrera".
Liona Boyd completó una Licenciatura en Artes, con especialidad en Interpretación en La Universidad de Toronto, de donde se graduó con honores y ganó el primer lugar en la Competencia de Música Nacional Canadiense.
Liona ha dado conciertos alrededor del mundo. Al ser invitada por el Alcalde de Moscú, se convirtió en la primera canadiense que se presentó en el Kremlin, cuando tocó en la exclusiva Gala de Año Nuevo. Fue también la primera en tocar en la nueva Casa de la Ópera de la Bastilla en Paris.
Los talentos virtuosos de Liona han resultado en cinco Discos de Oro y tres de Platino, cinco premios Juno (que es el equivalente del Grammy en Canadá), cuatro grados honorarios, y la Orden de Canadá. Ha sido ganadora cinco veces de la encuesta en la revista Guitar Player como mejor guitarrista clásica y ha sido introducida en La Galería de Grandes de la Guitarra.

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_ URUGUAY ES CAMPEÓN DE AMÉRICA !!!! _

2011-07-25T09:46:00.004-03:00

El domingo 24 de julio, en Buenos Aires, la selección de fútbol del Uruguay ganó su 15ª COPA AMÉRICA.
Es el país que más veces la ha ganado. Esta vez fue campeón invicto. Y no sólo ganó la copa principal sino el trofeo al Juego Limpio (fair play), el trofeo al mejor jugador -Luis Suárez- y el premio al jugador revelación del campeonato - Sebastián Coates-.

¡¡¡SALUD CAMPEONES DE AMÉRICA !!!

(La imagen se puede ampliar con un click)

_ ¿ SE ACUERDAN DE.......? _ SOFÍA LOREN _

2011-07-22T21:30:00.059-03:00

En un ciclo de posts con el título de "¿Se acuerdan de...?", van a ir apareciendo actrices y actores de cine del pasado (muchos ya fallecidos); que incluso no son conocidos por las nuevas generaciones, pero forman parte de la mejor historia de la cinematografía mundial. Aquellos visitantes del Blog que, como yo, tengan más de cincuenta o sesenta años de edad, sin duda revivirán buenos momentos al ver las imágenes y tener una mínima información biográfica de cada uno de esos personajes del cine. Para los jóvenes puede ser una oportunidad de conocer a las "estrellas" de ayer. Recordemos que no había internet y la televisión era casi desconocida por estos lares. Sólo llegaban las películas y algunas revistas que casi nadie podía comprar.

SOFÍA LOREN

Sofía Villani Scicolone nació en Roma, Italia, el 20 de setiembre de 1934. Hija de la maestra de piano Romilda Villani y el ingeniero Riccardo Scicolone, creció con su madre y una hermana en Pozzuoli (cerca de Nápoles) durante la Segunda Guerra Mundial.
Se cuenta que su padre se desentendió de ellas, y que para subsistir tuvieron que instalarse en casa de su abuela. Montaron una taberna, frecuentada por militares norteamericanos, donde la madre tocaba el piano.

Cuando la joven Villani Scicolone creció y se convirtió en una escultural adolescente, comprobó que su físico podría sacarla de la pobreza en la cual estaba sumida con su madre.

Ganó varios concursos de belleza que aprovechó luego para conseguir trabajos como modelo. Trabajó también en fotonovelas semanales (fotoromanzi), con los nombres de Sofia Villani o Sofia Lazzaro.
Y pudo entrar en el mundo del cine cuando en uno de esos certámenes logró llamar la atención de un miembro del jurado, el productor Carlo Ponti. Ella tenía 17 años y él 39.

Antes ya había aparecido como extra en películas como "Il Voto" (1950) o "Cuori sul mari" (1950).
También actuó como extra junto con su madre en la película "Quo Vadis" (1951), que fue filmada en Roma.
Con la llegada a su vida de Carlo Ponti, Sofía alcanzó mejores posiciones (aún en papeles muy breves) en los créditos con "Ana" (1951), película que contaba con el protagonismo absoluto de Silvana Mangano y en "La favorita" (1952), primera película en la que adoptó el apellido artístico, Loren.

(Sofía -muy jovencita- con Carlo Ponti)

Su carrera comenzó a tener importancia cuando trabajó con Vittorio De Sica y Marcello Mastroianni.
Al igual que Claudia Cardinale, Gina Lollobrigida y Lucía Bosé, fue incluida en el grupo de bellezas italianas que aunaban picardía y emociones en las películas más amables del neorrealismo italiano. En cierta manera, Sofía era el reverso de Anna Magnani, considerada menos bella y más emocional.

La fama de Sofía en Italia se fue afianzando con títulos como "Aida" (1953), "Las noches de Cleopatra" (1954), "Hombre o demonio" (1954), una película sobre Atila en la que la todavía poco conocida Loren compartía cartel con Anthony Quinn; o "El oro de Nápoles" (1954) del director Vittorio De Sica.
Posteriormente otros films de relativo éxito internacional como "La chica del río" (1955) de Mario Soldati, "La ladrona, su padre y el taxista" (1955) y "La suerte de ser mujer" (1956), estas dos últimas de Alessandro Blasetti, hicieron de Sofía Loren un rostro de gran proyección en el panorama cinematográfico internacional.

(Sofía con Anthony Quinn)

Sus primeros trabajos en el cine americano se producirían a finales de la década de los 50. "Boy on a dolphin" (1957) de Jean Negulesco, con Alan Ladd y "Orgullo y Pasión" (1957) un film rodado en España por Stanley Kramer, que presentaba a dos ilustres acompañantes masculinos: Cary Grant y Frank Sinatra.
Grant se volvió loco por las curvas de Sofía y aunque ésta le rechazó debido a su fidelidad a Ponti, se convertirían en grandes amigos a raíz de este encuentro.

(Con Cary Grant)

"Arenas de muerte" (1957) de Henry Hathaway, "Pan, amor y..." (1957) de Dino Risi (secuela de la exitosa "Pan, amor y fantasía"), "Deseo bajo los olmos" (1958) de Delbert Mann, "Cintia" (1958) de Melville Shavelson, "La llave" (1958) de Carol Reed, "Orquídea negra" (1959) de Martin Ritt y "Esa clase de mujer" (1959) dirigida por Sidney Lumet, fueron películas que supusieron la consagración como actriz de Sofía, al lado de actores tan dispares como John Wayne, Clark Gable, Peter Sellers, Anthony Perkins, William Holden o George Sanders.

(Sofía con Clark Gable)

(Sofía con John Wayne)

A partir de la década de 1960, frecuentó los papeles de personajes históricos y películas rodadas en co-producción, como "El Cid" de Anthony Mann (donde encarnó a Doña Jimena), "La caída del imperio romano", "La condesa de Hong Kong" (con Marlon Brando, dirigida por Charles Chaplin), la adaptación del musical "El hombre de La Mancha" (con Peter O'Toole) y "El puente de Cassandra".

También hay que recordar las películas "Arabesque" (con Gregory Peck) y "Lady L" (con Paul Newman). Sofía Loren se ganó el respeto del público por su participación en dramas y comedias, especialmente en proyectos italianos, donde era más libre para expresarse.

......................................................(Con Omar Shariff) ........................................ ("La caída del Imperio Romano")

(Sofía con Paul Newman)

(Sofía, Charles Chaplin y Marlon Brando)

En 1960, su actuación en "La ciociara" (Dos mujeres), película dirigida por Vittorio de Sica, según un relato de Alberto Moravia, dio un giro a su carrera. En ella encarna a una madre, violada junto con su hija, durante la Campaña de Italia (1943-45).

Ganó 22 premios de interpretación, entre ellos los más prestigiosos: los de mejor actriz en los festivales de Cannes, Berlín y Venecia, así como el premio Oscar.
Fue la primera persona que lo ganaba con una actuación en un idioma no inglés. Es una de las actrices más destacadas de la segunda mitad del siglo XX y considerada como uno de los Mitos del séptimo arte.

(De la película "Ayer, hoy y mañana", 1964, con Mastroiani)

En 1999, el American Film Institute la nombró una de las intérpretes más importantes de todos los tiempos y una de las últimas leyendas vivientes del cine clásico de Hollywood.
Ganadora de unos 50 premios internacionales; entre ellos dos premios Oscar (uno de ellos honorífico), un premio BAFTA y siete Globos de Oro.

Ha sido admirada durante décadas por su imagen de exuberante belleza, que ha mantenido en gran medida hasta la edad madura; sin embargo, es también reconocida por su inteligencia y agudeza.
De todas formas, la aportación más valiosa de Sofía Loren radica en las películas rodadas en su lengua natal, como "Matrimonio a la italiana" (1964) de Vittorio de Sica y "Una giornata particolare" (1977) de Ettore Scola, ambas rodadas junto a Marcello Mastroianni.

(Sofía con Marcelo Mastroiani)

A pesar de su indudable atractivo sexual y su talento interpretativo Sofía Loren nunca tuvo una película muy taquillera en tierras americanas, lo que provocó su permanente regreso al cine italiano.
Así compaginó títulos de su tierra natal como "Los girasoles" (1970) de Vittorio De Sica, "La mujer del cura" (1971) de Dino Risi, "Mortadela" (1971) de Mario Monicelli, "El Viaje" (1973) de nuevo con De Sica, "Bianco, Rosso E..." (1973) de Alberto Lattuada o "Una jornada particular" (1977) de Ettore Scola.
Y otros foráneos, del estilo de "El hombre de la Mancha" (1972) de Arthur Hiller, "El puente de Cassandra" (1977) de George Pan Cosmatos o "Angela" (1977) de Boris Sagal; además de trabajos televisivos como una nueva y floja versión de "Breve Encuentro" (1974).

Posteriormente, espació sus apariciones en el cine para volcarse en el cuidado de sus hijos. Se cuenta que rechazó papeles importantes en series de televisión que serían míticas en la década de 1980: Falcon Crest y Dynasty.
En 1980, Sofía Loren tuvo el raro privilegio de actuar como ella misma y como su madre, en un filme biográfico para televisión. La película estaba basada en su libro autobiográfico titulado "Sophia: su propia historia".

(Saludando a Meryl Streep, en una entrega de premios)

A partir de los años 80 la carrera de Sofía Loren fue disminuyendo en productividad, desapareciendo del cine en largos intervalos y regresando sólo en puntuales ocasiones.
Sus otras actividades abarcaron el mundo de la televisión, la cosmética y la publicidad. También tuvo problemas con el fisco italiano por culpa de los cuales pasó dos semanas en prisión.

(Sofía con sus hijos, Carlo Jr. y Edoardo)

En cuanto a su estable vida sentimental siempre fue al lado de Carlo Ponti. Juntos tuvieron dos hijos, Carlo Jr. y Edoardo Ponti. El año 1957 se casaron en México, originando un pequeño escándalo ya que el productor italiano ya estaba casado y aún no había obtenido el divorcio.

Para evitar el conflicto anularon el matrimonio en 1962 y cuando legalmente todo estuvo claro volvieron a contraer matrimonio en un ambiente mucho más pacífico, en 1966.
Cierta vez que le preguntaron a Sofía por el adulterio, simplemente se limitó a contestar: "Es un divertimento al que yo no juego".

(Sofía con Carlo Ponti, en dos épocas distintas)

En 1991, recibió un premio Óscar Honorífico de la Academia de Hollywood por su contribución a la industria cinematográfica.
Tres años más tarde, regresó a la gran pantalla para participar en la película "Prêt-à-Porter", de Robert Altman, donde compartió escena con Marcello Mastroianni, Julia Roberts, Tim Robbins, Kim Basinger, Lauren Bacall y Tracy Ullman. Su actuación la hizo acreedora de una nueva nominación al premio Globo de Oro en la categoría de "mejor actriz de reparto".

Su siguiente trabajo en el cine tuvo lugar en la comedia de 1995, "Discordias a la carta", en la cual trabajó junto a Ann-Margret, Walter Matthau y Jack Lemmon. Esta película alcanzó un considerable éxito de taquilla.
En ese mismo año, la actriz recibió un nuevo galardón en reconocimiento a su trayectoria profesional, el premio Cecil B. DeMille.
Posteriormente apareció en producciones italianas como "Francesca e Nunziata" (2001) y "Peperoni ripieni e pesci in faccia" (2004).

En 2009 volvió a aparecer en una producción estadounidense, la película "Nine", adaptación cinematográfica del musical homónimo de Broadway, bajo la dirección de Rob Marshall. Allí trabajó junto a Daniel Day-Lewis, Penelope Cruz, Kate Hudson, Marion Cotillard y Nicole Kidman.
El elenco protagonista del filme fue nominado al Premio del Sindicato de Actores como "mejor reparto", si bien la película no alcanzó el éxito comercial y crítico esperado.

Sofía Loren filmó películas con los más grandes actores del cine mundial, como Marcelo Mastroiani, Omar Shariff, Charlton Heston, Gregory Peck, Paul Newman, Clark Gable, Peter Sellers, John Wayne, William Holden, George Sanders, Peter O'Toole, Marlon Brando, Cary Grant, Frank Sinatra y Alan Ladd.

Hoy tiene 77 años muy bien llevados. Carlo Ponti murió en el año 2007; era 22 años mayor que Sofía.

(Carlo Jr., Edoardo, Sofía y Carlo Ponti)

Fuentes _

www.todocine.com/
http://es.wikipedia.org/wiki/Cine

_ MITOS y LEYENDAS _ "LA CASTA SUSANA" _

2011-07-14T22:21:00.030-03:00

("Susana y los viejos"- Artemisia Gentileschi 1593-1654)

LA CASTA SUSANA

La leyenda de la Casta Susana nace en la BIBLIA. En el llamado “Libro de Daniel”, capítulo 13, aparece este episodio, la historia de Susana.
La narración, en su versión original, podría estar escrita en hebreo o en arameo. Por lo que se puede deducir, el texto seguramente empezó siendo independiente del Libro de Daniel, quizá formaba parte de las antiguas tradiciones que se habían tejido alrededor de este Profeta del
Siglo VI.
La historia de Susana, escrita en tercera persona y con muchos detalles acerca de los personajes que intervienen, es conmovedora y pretende ejemplificar que la sabiduría no tiene que ver con la edad, ya que los niños y jóvenes pueden ser más prudentes que los ancianos. Susana es joven y se enfrenta a unos ancianos que se supone que, por edad, han de ser justos y rectos y resulta que son malvados y lascivos, mientras ella sigue siendo pura y honrada. Una lección que da el narrador acerca de las apariencias que, pueden ser engañosas.
Susana, es un nombre bíblico, en hebreo es Susan, que significa "lirio". Muy probablemente está emparentado con el árabe a-suçena, que en español quedó "azucena," nombre de una liliácea, de la familia de los lirios.
Ella es una mujer devota y muy hermosa. Está casada con Joaquín y tiene hijos, Su hombre goza de prestigio y riquezas y sus padres son personas buenas, que le han dado a su hija una buena educación :
“Moraba en Babilonia un varón cuyo nombre era Joaquín. Había tomado por mujer a una llamada Susana, hija de Helcías, muy hermosa y temerosa de Dios, pues sus padres, que eran justos, la habían educado en la Ley de Moisés. Era Joaquín muy rico y tenía contiguo a su casa un jardín” (13, 1-4).

("Casta Susana"- Jan Metsys - 1509-1575)

(Jan METSYS - 1509-1575)

No obstante, la desgracia se ceba con ella y un buen día su honradez se pone en tela de juicio. Los esposos acogían en su casa a distintas personas. En el hecho que se narra habían recibido a dos jueces, dos ancianos elegidos por el pueblo que, en lugar de ser unas personas honradas, resultaron ser unos pervertidos.
Así, se aprovecharon de la amistad que tenían con Joaquín, el marido de Susana, para contemplarla y espiarla:
“Aquel año habían sido designados jueces dos ancianos. Frecuentaban estos la casa de Joaquín, y a ellos venían cuantos tenían algún pleito. Hacia el mediodía, cuando el pueblo se había retirado, entraba y paseaba Susana en el jardín de su marido, y, viéndola cada día los dos ancianos entrar y pasearse, sintieron pasión por ella. Y, pervertido su juicio, desviaron sus ojos para no mirar al cielo ni acordarse de sus justos juicios” (13, 5-9).

("La casta Susana" - Tintoretto - 1518-1594)

Susana solía descansar en el jardín o bañarse en la piscina y los dos ancianos, que conocían perfectamente las costumbres de la joven, la espiaron, por separado, muchas veces. Los dos estaban obsesionados con Susana, aunque ninguno lo decía. Hasta que ambos descubrieron que el objeto de su pasión era la joven y decidieron seducirla juntos.
Un día, muy caluroso, Susana se baña y, mientras las criadas se ausentan, los dos ancianos, que se habían escondido en el jardín, se precipitan sobre la joven y la presionan :
“Las puertas están cerradas, nadie nos ve, y nosotros sentimos pasión por ti; consiente, pues, y entrégate a nosotros; de lo contrario, daremos testimonio contra ti de que estabas con un joven y por esto despediste a las doncellas” (13, 20-21).

("La casta Susana" - Giambattista Tiépolo -1696-1770)

Las puertas de su casa, pues, están cerradas y los dos ancianos, lascivos y llenos de concupiscencia se lanzan sobre la chica y le piden relaciones sexuales. Si no accede la acusarán de adulterio con un joven y ellos serán los testigos.
Susana no sabe qué hacer, se encuentra en un callejón sin salida. Los dos jueces la acusarán de adulterio, delito que está penado con la muerte. Nadie la creerá si dice que ha sido acosada por ellos. No obstante, Susana decide una solución valiente :
“Rompió a llorar Susana, y dijo: Por todas partes me siento en angustia, porque, si hago lo que proponéis, vendrá sobre mí la muerte, y si no lo hago, no escaparé a vuestras manos. Mas prefiero caer inculpable en vuestras manos a pecar ante el Señor” (13, 22-23).

("Susana y los Viejos" - copia de un Bassano, cuadro del siglo XVII)

Susana prefiere morir que pecar. Es fiel a sus ideas y a su educación. Grita y hace un escándalo. Los ancianos mienten y Susana cree que no tiene salida. Nadie la puede ayudar puesto que son jueces y además ancianos.
La citan al juicio al día siguiente y será sentenciada a morir apedreada. Susana acude con sus padres, sus hijos y sus parientes al juicio.
Se ha tapado la cara. Los viejos exigen ver su cara para disfrutarla por última vez y ponen sus manos en ella, mientras Susana llora :
“Iba cubierta, y aquellos malvados mandaron que se descubriese para saciarse de su hermosura” (13, 32).

("Susana"- Théodore Chassériau - 1819-1856)

Los ancianos la acusan y dan todo tipo de detalles. Susana es calumniada y la condenan a muerte, aunque ella proclama su inocencia con gesto desesperado. No quiere morir sin que se sepa la verdad y se dirige a Dios:
“Levantó entonces Susana la voz y dijo : “¡Dios eterno, conocedor de todo lo oculto, que ves las cosas todas antes de que sucedan! Tú sabes que han declarado falsamente contra mí. Tú sabes que muero sin haber hecho nada de cuanto éstos han inventado inicuamente contra mí” (13, 42-43).

("La casta Susana" - Jean Jacques Henner - 1829-1905)

Uno de los asistentes, Daniel (el Profeta Daniel, que entonces era casi un niño), cree en la inocencia de la joven y cuando llega el día de lapidación, Daniel, que significa “Dios es mi juez”, grita :
“Yo soy inocente de esta sangre. Y todo el pueblo se volvió hacia él, diciéndole : ¿Qué significan estas palabras que has proferido? Y él dijo : ¿Tan insensatos sois, hijos de Israel, que, sin inquirir ni poner en claro la verdad, condenáis a esa hija de Israel? Volved al tribunal, porque éstos han testificado falsamente contra ella” (13, 46-49).

("Daniel salva a Susana" - Sebastiano Ricci - 1659-1734)

Todos vuelven al tribunal, Los dos ancianos están muy alterados. Daniel los interroga por separado y cada uno afirma haber visto a Susana bajo un árbol distinto, un lentisco y una encina; así se descubre la verdad.
Todos se dan cuenta de la falsedad de los dos viejos y el castigo que ellos querían para Susana la tendrán ellos ahora, por perjuros y calumniadores. Murieron apedreados.

El relato es ficticio, no obstante hay quien ve en él el reflejo de la actuación de los dos falsos profetas, Ajab y Sedecías, que fueron acusados por Jeremías de conducta adúltera.
La actuación de Daniel es decisiva y es una especie de héroe niño o “niño sabio”, que es más sagaz que los mayores y descubre la injusticia que se estaba a punto de cometer en la persona de la Casta Susana, ya que, Daniel desde aquel día “se hizo famoso en su pueblo” (13, 64).

("La casta Susana" - Gonzalo Bilbao Martínez - 1860-1938)

Por último, cabe añadir que la leyenda de la Casta Susana ha sido un tema muy popular en el arte : pintura, cine, música, literatura. Hay, además, varias versiones del relato en distintos idiomas europeos.

("Casta Susana" - Félix Vallotton -1865-1925)

(Vitral con el motivo de "La casta Susana" - México actual)

MÚSiCA _ Opereta "La casta Susana" (La chaste Suzanne, Francia-1937) de André Berthomieu, c/Raimu, Meg Lemonnier, Henri Garat, Charles Dechamps. 80’ aprox.
Este es un caso raro en el que las diferentes versiones permiten seguir el recorrido geográfico de un artista.
El músico Jean Gilbert (cuyo verdadero nombre era Max Winterfeld) estrenó la opereta "La casta Susana" en Berlín, en 1910, con argumento basado en una obra teatral francesa. Ambientada en Francia, la obra es una desprejuiciada sátira de las pretensiones morales de la burguesía y se transformó rápidamente en un éxito internacional, con versiones en varios idiomas.

CINE _ En el año 1944 se estrenó en el cine la adaptación en castellano de "La casta Susana", una superproducción dirigida por el español Benito Perojo con Mirtha Legrand y Juan Carlos Thorry.
La Legrand, que siempre fue una gran comediante, hizo aquí por única vez en su carrera un personaje completamente amoral y feliz de serlo.

Actores y actrices _ Mirtha Legrand, Tilda Thamar, Juan Carlos Thorry, Alberto Bello, Héctor Calcaño, María Santos, Raimundo Pastore , Homero Cárpena, Tito Climent, Nelly Robertson, Francisco Pablo Donadío.

Un dato interesante es que muchas escenas de esta película fueron filmadas en Atlántida, Uruguay. El director español Benito Perojo llegó a ser propietario de una casa en el Balneario, en la década del 40, a la cual venían a pasar los veranos Luis Sandrini, Malvina Pastorino y otras figuras del cine argentino.

(Escenas de la película "La Casta Susana" filmada en Atlántida - 1944)

Nota _ Otras leyendas en este Blog : "Lady Godiva", "El talón de Aquiles", "El nudo Gordiano", "Las tres Gracias", "Leda y el Cisne", "La flor de la Higuera", "El ratón Pérez".

_ ¿ SE ACUERDAN DE ....? _ GINA LOLLOBRÍGIDA _

2011-07-04T21:25:00.070-03:00

GINA LOLLOBRÍGIDA

Gina Lollobrigida, cuyo nombre real es Luigina Lollobrígida, nació en Subiaco, Italia, el 4 de julio de 1927. Según sus propias declaraciones, se hizo actriz por una serie de casualidades; su vocación inicial era artística, pero en el rubro de la escultura y la fotografía. Gina fue una de las cuatro hijas de un manufacturero de muebles (sus hermanas son Giuliana, Maria y Fernanda).
Pasaron su juventud en una pintoresca villa montañosa de Italia.
Tras la Segunda Guerra Mundial la familia se traslada a Roma y allí empieza Gina sus estudios de arte (pintura y escultura).
Incluso, durante una temporada, pensó en la posibilidad de ser cantante de ópera, pero la situación económica de su familia le obligó a trabajar en el mundo de las fotonovelas, que causaban un auténtico furor en la Italia de la posguerra.

Gina trabajó como modelo en algunos desfiles de ropa, y participó con éxito en diversos concursos de belleza. Por esta época, empezó a aparecer en filmes en Italia.
Tras la II Guerra Mundial, tiempos muy duros, la joven Gina decidió dedicarse a modelo fotográfica. Respondía al nombre de Diana Loris y paseaba de estudio en estudio a la búsqueda de quien captara mejor su belleza, de "madonna" italiana contundente.
En 1946, inició tímidamente su carrera cinematográfica. Debutó en el cine con "Aguila negra" (1946), de Riccardo Freda. Tenía diecinueve años y muchas ganas de triunfar. Por eso, cualquier trabajo artístico le parecía noble para lograr su objetivo.

En 1947 se presentó al concurso de Miss Italia. Ese año ganó nada menos que Lucía Bosé; en segundo lugar, la también actriz Gianna Maria Canale; y el tercer puesto quedó para una Gina Lollobrigida, que aún no había demostrado al mundo quién era ella.

Se dice que tras verla en un film italiano, el excéntrico millonario Howard Hughes voló desde Hollywood en 1947 para verla, pero esta visita no logró que ella se trasladara a los Estados Unidos. En 1950 Gina llegó a Hollywood contratada por Hughes, quien la acomodó en el hotel Town House de Wilshire Boulevard. Pero ella entonces hablaba muy poco inglés y al cabo de seis semanas regresó a su casa por sentirse «vigilada permanentemente» por él.
Había hecho su primer amago de triunfar en EEUU, pero sin éxito.

Volvió a Italia y se casó con Milko Skofic, un doctor yugoslavo con el que vivió durante más de veintidós años y con quien tuvo su único hijo; Milko Skofic jr. La pareja terminó divorciándose en 1971.

(Gina y Milko Skofic su único esposo).................................... (Los Skofic con Milko Jr.)

Después de la acogida de "Fan Fan el invencible", se produjo su consagración cuando rodó "Pan, amor y fantasía" (1952), de Luigi Comencini. Era ésta una comedia que dejaría una secuela. Lollobrigida era Pizzicarella, la cabeza loca del pueblo, la cual traía a su vez de cabeza al jefe de los carabineros de la localidad, papel asumido por un magnífico Vittorio de Sica.

Su imagen de mito erótico se vinculó a esa figura de muchacha campesina, descalza, a la que ella aportaba una dotes de actriz que contribuían a hacer más divertido su papel, que tuvo gran popularidad.
Era conocida en su país natal como la “Lollo”, o "la mujer más bella del mundo", título de la película que rodó, en 1955, junto al extraordinario Vittorio Gassman.

Éxito en Hollywood

Posteriormente, su aparición en filmes italianos atrajo la atención de los productores de Hollywood y provocó que ella hiciera su primer film estadounidense, "La burla del diablo" 1953, con Humphrey Bogart y Jennifer Jones.
A medida que su fama iba creciendo, Lollobrigida ganaba más adeptos y contratos.

(Gina con Humphrey Bogart y equipo de filmación de "La burla del diablo", 1953)

Hizo una aparición notable en el film "Trapecio" con Burt Lancaster y Tony Curtis en 1956, y protagonizó "El jorobado de Notre Dame" el mismo año. En dicha película, el papel de Quasimodo lo hizo Anthony Quinn.

(Con Burt Lancaster y Tony Curtis en "Trapecio", 1956)

En 1959, Gina filmó "Salomón y la Reina de Saba". El actor elegido para interpretar el papel de Salomón fue Tyrone Power, pero éste murió repentinamente, de un infarto de miocardio en pleno rodaje, en Madrid. Su papel fue interpretado, entonces, por el ruso Yul Brynner y se repitieron las escenas realizadas hasta ese momento. Con todo, se aprovecharon algunos planos donde el personaje de Salomón, interpretado por Power, aparecía a lo lejos.
La película fue rodada en España

("Salomón y la Reina de Saba", 1959)

También en 1959, filmó "Cuando hierve la sangre" , con Frank Sinatra, Peter Lawford, Steve McQueen, Charles Bronson y otros.

Durante la filmación de esta película se rumoreó que tuvo un romance con Sinatra.

Y también en su mejor año, 1959, filmó "La Ley", con Yves Montand, Marcello Mastroianni y Melina Mercouri.

En 1961 hizo uno de los más populares de sus films, "Tuya en setiembre", con Rock Hudson, Sandra Dee, Bobby Darin que le valió el Globo de Oro.
También con Rock Hudson, en 1965, hizo "Habitación para dos" y apareció con Alec Guinness en el film de 1966 "Hotel Paradiso".
En 1968 protagonizó "Buona Sera, Señora Campbell" con Shelley Winters y Telly Savalas. En la década de 1970 su carrera fílmica se resintió e hizo sólo algunas apariciones, en pobres producciones.

(con Rock Hudson en "Tuya en septiembre")

Aunque tuvo un gran éxito en Hollywood, Gina nunca fue nominada a los Oscars, pero asistió a la 33ª Ceremonia de los Oscars en 1961, para entregar el galardón a la mejor dirección al famoso director Billy Wilder por su película The Apartament.

Con el éxito a sus pies, sólo otra mujer, Sofía Loren, logró hacerle sombra.
Pero Gina Lollobrigida ya estaba, a esas alturas de su vida, de vuelta de todo.

Decidió abandonar su carrera cinematográfica durante los setenta (este giro quizá también estuvo marcado por su divorcio, en 1971) para dedicarse de lleno a otra de sus grandes pasiones: la fotografía.
En esta época se embarcó en la que llegaría a ser una exitosa carrera de periodista fotográfica. Ella fotografió entre otros, a Paul Newman, Salvador Dalí y al equipo nacional de fútbol alemán, y llegó a tener una entrevista periodística en exclusiva con Fidel Castro. En 1973 se publicó una colección de trabajos en "Italia Mia".

Se dedicó a otros intereses, incluyendo la escultura.

(Gina con Kirk Douglas y Marlene Dietrich)

Fue en el año 1984 cuando Gina Lollobrigida retornó triunfalmente a las pantallas de televisión de Estados Unidos formando parte de algunos capítulos de "Falcon Crest".

Hizo algunas apariciones menores en los años 90 y en 1999 hizo su incursión en la política, pero no salió bien parada en las elecciones al Parlamento Europeo, ya que no logró ninguno de los 87 asientos asignados a Italia.

Tuvo además cargos en empresas de cosmética y de moda. Virtualmente retirada de los escenarios, no ha realizado un film desde 1997.

En el 16 de octubre de 1999, Gina Lollobrigida fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO).

En abril de 2000 menciona en la Parade Magazine: «Estudié pintura y escultura en la escuela y me hice actriz por error.... He tenido muchos amantes y romances. Estoy muy cansada. En toda mi vida he tenido demasiados amantes».

En octubre de 2006, a la edad de 79 años, Gina anunció a la revista española " ¡Hola!" un romance con el empresario catalán Javier Rigau y Rafols, de 45 años, y su intención de casarse a finales de año. Explicó que se conocían desde muchos años antes, pues se encontraron en una fiesta en el año 1984, y que tuvieron posteriormente citas en secreto.

Si bien muchas fuentes pusieron en duda tal afirmación, por la corta edad de Rigau, la fecha de la boda se fijó para el 6 de diciembre de 2006, pero luego se suspendió y la relación se rompió, según ellos porque el acoso periodístico la dificultaba.

(Gina con Javier Rigau, en 2006)

La importancia de la figura de Gina Lollobrígida dentro del sistema de estrellas de Hollywood, la da el hecho de haber filmado películas con los más famosos galanes del cine de esa época y de todas las épocas : Vittorio Gassman, Vittorio de Sica, Marcelo Mastroiani, Burt lancaster, Anthony Quinn, Tony Curtis, Humphrey Bogart, Ives Montand, Frank Sinatra, Rock Hudson, Alec Guinness, Yul Brynner.

(retrato de Gina desnuda)

(Hoy tiene 84 años y nadie ignora quién es Gina Lollobrígida)

Fuentes _ http://es.wikipedia.org/wiki/Gina_Lollobrigida
http://www.hola.com/biografias/gina-lollobrigida/

Fotografías de Internet.

(Las imágenes se pueden ampliar con un click)

_ SORPRESAS EN MEDIO DE LA GRAN CIUDAD _

2011-07-01T20:38:00.017-03:00

Perdonen los lectores que les presente cosas que encuentro en Montevideo como si fueran el gran "descubrimiento".
De pronto esta crónica va dirigida más bien a los habitantes del interior del país que no vienen nunca -o casi nunca- a la "capital"; o para los compatriotas qe se han ido del país y no han vuelto.
Yo también me considero un forastero en Montevideo. Nací en el interior, me crié allí, siempre trabajé en el departamento de Canelones y mi actitud cuando voy a la "gran ciudad" es la de un observador-descubridor de cosas que, por una u otra razón, me llaman la atención.

Todo este preámbulo es para contarles que un día de mayo de este año íbamos con mi esposa atravesando la "Plaza de los Treinta y Tres", más conocida como "plaza de los Bomberos", cuando de repente nos encontramos con un grupo escultórico que representaba dos hombres conversando en un banco de plaza.
Pero no eran dos hombres cualesquiera, ni habían sido puestos en ese lugar -juntos- por el capricho del artista creador de la obra.
Las figuras en cuestión eran las representaciones de Carlos Vaz Ferreira y Albert Einstein.

Ahí recordé algunas lecturas anteriores, sobre la muy publicitada visita del científico alemán, Premio Nobel de Física en 1921, al Uruguay y su famoso encuentro con Carlos Vaz Ferreira.

(foto de la revista "Mundo Uruguayo" que muestra a Einstein y Vaz Ferreira conversando en la plaza)

Lo interesante de esta historia es que las estatuas de Einstein y Vaz Ferreira están ubicadas en el mismo lugar donde una vez, hace 86 años, estos dos genios se sentaron a conversar, en un banco de la entonces llamada "plaza Artola".
La histórica entrevista fue el 24 de abril del año 1925.
Una fotografía publicada en la revista “Mundo Uruguayo” de aquella época inmortalizó el acontecimiento.
Y en dicha foto se basó el artista plástico Valverde Gil, para realizar las estatuas con las que nos encontramos hace pocos días.

Celular mediante sacamos -también nosotros- muchas fotos, desde distintos ángulos para ilustrar este post.

La obra escultórica se realizó, e instaló, para conmemorar la figura del filósofo el "Día del Patrimonio" del año 2008, que tuvo la consigna de "Uruguay -Un país de pensamiento” y la advocación del autor de “Moral para Intelectuales” y “Lógica Viva”.
Un hermoso homenaje a uno de nuestros pensadores más destacados, Carlos Vaz Ferreira.

A diferencia de la foto original, en la escultura ninguno de los personajes tiene sombrero.
Dicen que el cambio buscó destacar los rasgos de ambos pensadores.

Una construcción de ladrillo visto, con una placa de bronce, recuerda los 100 años de la enunciación de la Teoría de la Relatividad por Einstein, y el encuentro con Carlos Vaz Ferreira.

LA VISITA DE EINSTEIN A MONTEVIDEO EN 1925

Antes de su llegada

"El éxito de la visita de Einstein a Argentina, entre fines de marzo y la última semana de abril de 1925, contribuyó a aumentar el interés por una posible visita a Montevideo, por donde había pasado brevemente en su viaje a Buenos Aires.
Los periódicos uruguayos, además de ofrecer repetidas referencias a su actuación al otro lado del Plata, incluyeron en esos días noticias sobre temas relacionados con Einstein y su teoría en sus secciones de actualidades internacionales.
El diario El Día, por ejemplo, reprodujo en su edición del 12 de abril una fotografía de las 'Cámaras Einstein', utilizadas por la Universidad de Yale para efectuar investigaciones fotográficas sobre los resultados del eclipse solar, que se utilizaron para corroborar la validez de la teoría.
La despedida de la que fue objeto Einstein al dejar la Argentina tuvo un eco especial en la prensa uruguaya [La Mañana 24 abril 1925].
Ella informó que las asociaciones estudiantiles de diversas facultades argentinas habían citado a sus respectivos asociados para que se hicieran presentes en el puerto a despedir al sabio. Informó también en detalle acerca de la nutrida concurrencia de profesores y estudiantes a esa despedida y, además, dio una nómina detallada de las altas autoridades argentinas que se hicieron presentes en el puerto para despedirlo.
Entre otros, citaba la presencia de los ministros de Relaciones Exteriores y de Instrucción Pública."

La recepción uruguaya

"El día 23 por la mañana, el Centro de Estudiantes de Ingeniería y Agrimensura realizó una asamblea general de socios, en la que la Comisión Directiva propuso que Einstein fuera designado socio honorario; la moción fue aceptada por unanimidad.
Se resolvió también que se le entregaría un pergamino que lo acreditaría en ese carácter, y "una placa de oro recordatoria de la ilustre visita recibida por nuestra Universidad" [La Mañana 24 abril 1925].
En un mensaje de ese mismo centro a sus socios, difundido por la prensa local y firmado por el presidente y por el secretario -José R. Fosalba y Carlos R. Végh Garzón respectivamente-, se exhortaba a los socios a que se hicieran presentes en la dársena el día viernes 24 de abril a las 7:30 de la mañana, para dar una adecuada bienvenida al sabio.
Lo mismo hicieron las autoridades de la Asociación Politécnica del Uruguay, institución profesional que agrupaba a los graduados de ingeniería de ese país.
Por su parte, las autoridades de la Facultad de Ingeniería decidieron suspender las clases comprendidas entre las ocho y las diez de la mañana de ese día, a fin de facilitar la concurrencia de profesores y alumnos [La Mañana 24 abril 1925].
Los periódicos locales informaron que Einstein daría un ciclo de conferencias en Montevideo, y que ello había causado un 'interés extraordinario', ya que esa visita ofrecía al público culto del Uruguay la posibilidad "de oír de los propios labios de su autor, la discutida teoría de la relatividad" [El Día 26 abril 1925].

"La Facultad de Ingeniería solicitó al ejecutivo colegiado -El Consejo Nacional de Administración que regía los destinos de la república-, 1.000 pesos para hacer frente a los gastos que ocasionaría la visita de Einstein a Montevideo. Después de considerar el asunto, el gobierno resolvió autorizar solamente 500 pesos.
Ante la insistencia de la Facultad, que solicitó por lo menos 800, hubo "un nuevo cambio de ideas"[La Mañana 30 abril 1925] como resultado del cual el gobierno ratificó su oferta inicial de 500 pesos.

El diario La Mañana se quejó de esta resolución, alegando que la cuota máxima fijada por el Estado para su contribución al homenaje a uno de los "más altos exponentes de la intelectualidad contemporánea", era exigua. Conjeturaba que si la compañía del tranvía del Norte le hubiera pedido otros cien mil pesos para cerrar sus cuentas, la respuesta hubiera sido otra.
También el diario El Sol [9 mayo 1925] compararía más tarde, la suma comprometida para Einstein con lo que cobró una recitadora en esos mismo días.
El autor de ese artículo muestra un ángulo interesante en lo que se refiere a la percepción uruguaya de la visita de intelectuales extranjeros (algo similar podría decirse para el caso de la Argentina).
En alguna medida, él percibe la visita de Einstein como un viaje de exploración al Uruguay, en el que el país debía tomar recaudos para causar una buena impresión: Einstein es descrito como uno de los "más altos exponentes de la intelectualidad contemporánea que se dignasen llegar hasta estas playas a saber quienes somos y qué conceptos tenemos".

El encuentro con Montevideo y su gente

"En la mañana del viernes 24 de abril, Einstein llegó a Montevideo a bordo del vapor 'Ciudad de Buenos Aires', uno de los buques que hacían la carrera entre esa ciudad y la de Buenos Aires, cubriendo el corto trayecto entre ambas capitales en lo que para la época era, sin duda, un cómodo viaje nocturno.
El distinguido visitante recibió el saludo de autoridades, profesores, estudiantes y periodistas en el comedor del vapor. Don Américo Sampognaro [El Día (edición de la tarde) 24 abril 1925] lo recibió en nombre del Presidente de la República; el Dr. Agustín Musso, representaba al Rector y al Consejo Universitario; el ingeniero Carlos M. Maggiolo, Decano de la Facultad de Ingeniería a su institución y el arquitecto Jacobo Vázquez Varela, a la Facultad de Arquitectura.
Los ingenieros Carlos A. Berta, Federico A. Bruno, Federico García Martínez y Kayel representaban al profesorado de la Facultad de Ingeniería. La Asociación Politécnica del Uruguay estuvo representada por su presidente Víctor B. Sudriers y su secretario, Luis Giannattasio. El Centro de Estudiantes de Ingeniería y Agrimensura estuvo representado por el alumno Ezequiel Sánchez González.
También estuvo presente en la recepción una delegación de las instituciones de la comunidad judía del Uruguay, y un buen número de estudiantes.

"El Consejo Departamental había resuelto [El País 24 abril 1925] que su presidente, el ingeniero Luis P. Ponce lo recibiera oficialmente en Montevideo a su llegada.
Ponce le ofreció alojamiento, a cuenta del gobierno Departamental, en el Parque Hotel, y también el uso de uno o dos de los automóviles de la Comuna [La Mañana 23 abril 1925]. Einstein agradeció la oferta, pero indicó [El Día 25 abril 1925] que ya había arreglado alojarse en casa de don Naum Rosenblatt.
El ingeniero Amadeo Geille Castro había sido designado por la Facultad de Ingeniería para actuar como su secretario particular.
Junto con los alumnos Ricardo Müller y Ezequiel Sánchez González, que se convertirían en celosos guardianes del acceso a Einstein durante su estancia en Montevideo, lo auxiliaban en esa tarea.
Cuando se anunció la visita de Einstein a Argentina, la Facultad de Ingeniería de Montevideo envió a Geille Castro a Buenos Aires para que asistiera a las conferencias que Einstein dictaría allí, y para que "obtuviera para nuestra institución de enseñanza copia de la versión que allí se tomara de las mismas" [Ingeniería I7: (1925)].
Asimismo, estaba autorizado para hacer gestiones para que Einstein se detuviera en Montevideo en su camino de regreso a Europa.
Durante su estadía en Buenos Aires, Geille Castro trabó contacto personal con Einstein, entrando así en funciones aún antes de que el sabio llegara a Montevideo.
El día antes de la partida de Einstein a Montevideo, fue él quien confirmó a Rosenblatt por telegrama la fecha de partida desde Buenos Aires [La Mañana 24 abril 1925]."

Los periódicos de Montevideo

"El diario El Día había saludado el día anterior la llegada de Einstein a Montevideo publicando un retrato, obra del dibujante Buscasso. Al entrevistarlo en el vapor, el reportero de ese diario le mostró a Einstein una copia de ese retrato.
Siguiendo una costumbre ya característica de Einstein en sus relaciones con la prensa, elogió la fidelidad de la obra [El Día (edición de la tarde) 24 abril 1925].
También La Razón [22 abril 1925] publicó en su última página un retrato a lápiz de un Einstein risueño, acotando que "el gran hombre de ciencia ha tenido la virtud de dotar a las ciencias esotéricas de la magia de la novedad y el incentivo de la popularidad".
Pocos comentarios de esa visita la describen más acabadamente. Dos días más tarde ese diario publicó un nuevo retrato, ahora en la primera página, que es aún más fiel [La Razón 24 abril 1925].
El diario El Bien Público [24 abril 1925] publicó también un retrato de Einstein, obra del dibujante Liega Ciaparelli, que da una versión de su fisonomía que es más seria y sombría, quizás algo agriada.
La abundancia de retratos a lápiz, que desaparecen una vez que Einstein llega a Montevideo y se pone al alcance de las cámaras fotográficas, sugiere que los archivos de esos periódicos no tenían una abultada carpeta gráfica sobre Einstein.

Las conversaciones de Einstein con los periodistas a su llegada a Montevideo giraron acerca de sus recientes experiencias en Argentina.
Einstein declaró que ese país podía estar "orgulloso de su capacidad científica. Hay mucha gente que estudia con provecho" [El Día (edición de la tarde) 24 abril 1925]. Señaló como una credencial válida la curiosidad que despierta entre la gente de Buenos Aires la visita de los conferenciantes que allí llegan.
El autor de esa nota preguntó al ingeniero Geille Castro, que había asistido a sus conferencias en Buenos Aires, si éstas habían tenido éxito. 'Enorme' fue su lacónica respuesta.
La pregunta siguiente era de rigor: si la gente lo había comprendido; respondió que la gente que estaba preparada para ello, sí.
Se le preguntó también sobre la réplicas que se habían publicado en Buenos Aires a las teorías de Einstein. A lo que Geille Castro contestó que se le habían pedido aclaraciones a sus conceptos, y que se lo había escuchado con gran respeto, pero que no habían habido réplicas; simplemente porque 'no hay hoy' quién pueda hacerlas.

Einstein explicó a los periodistas que su viaje a la Argentina lo había fatigado mucho y que deseaba tener un poco de reposo.

Prometió una audiencia general con los periodistas para el domingo a las nueve de la mañana, y señaló que no recibiría a ningún reportero aisladamente [La Tribuna Popular 26 abril 1925]. Una vez que dejó el vapor, se dirigió en automóvil acompañado del ingeniero Maggiolo a la casa de Naum Rosenblatt, donde fue visitado por muchas personas [El Día (edición de la tarde) 24 abril 1925].

Los periodistas encontraron que sus ademanes y sus palabras eran lentos, casi sacerdotales. Destacaron que "Einstein es de una bondad admirable, sencillo, un sabio de verdad, que rehuye toda ostentación vanidosa". Esta evaluación se repetiría una y otra vez durante y después de su visita.
El periodista de Tribuna Popular hizo notar también que vestía un traje bastante usado, con el saco ceñido a su cintura, exigua, frente a los hombros anchos. Usaba un chambergo de alas grandes, de las que se escapaban rizos de su cabellera, adquiriendo así "un notorio aspecto de violinista célebre" [El Día (edición de la tarde) 24 abril 1925].

Los diarios informaron que Einstein daría tres conferencias, los días sábado, lunes y martes; y que el horario de las dos primeras había sido fijado a las 17:30; el de la tercera se anunciaría más adelante. Desde ese día y hasta el de su partida, varios diarios del Uruguay publicaron una sección especial, llamada simplemente 'Einstein', en la que dieron informaciones sobre lo que el visitante había hecho el día anterior y lo que se planeaba para que hiciera ese día".

"¿De qué hablaron ese día? No se sabe. Todo queda en el marco de la presunción, pese a que existe una carta taquigráfica sobre algunos de los asuntos y un libro diario del Einstein en que compara la idiosincrasia de uruguayos y argentinos por aquellos años, notando diferencias en la visión de la periferia existencial de las dos comunidades platenses.
"Existiría una línea de pensamiento afín entre el filósofo judío Spinoza (1632-1677) y Einstein de la cual en alguna medida Vaz Ferreira podría haber participado dentro de su agnosticismo: la creencia en un ser superior, a nuestro riesgo llamémosle Dios, que habría diseñado un orden en el Universo, pero que no comprometía al hombre en sus conductas de albedrío".

Un Edil montevideano leyó en una sesión de la Junta Departamental : "Quisiera compartir con mis colegas Ediles una versión taquigráfica no oficial, publicada en la revista de la Asociación de Profesores de Física del Uruguay, de un diálogo que mantuvieran Einstein y el filósofo uruguayo Vaz Ferreira en un banco de la Plaza de los Treinta y Tres :

“Einstein.- Mi concepto del universo es circunferencial; partiendo de un punto, la línea parece que se aleja de él, pero en realidad a él se acerca y en él termina. Quiero decir que lo que se aleja, se acerca; que lo que se va, viene; que lo que está aquí, está realmente allí; que la luz es la sombra; que lo que es, no es…

“Vaz Ferreira.- No creo tanto, pero sí que lo que se aleja puede en realidad estarse acercando; que lo que está aquí puede realmente estar allí; que la luz puede ser que lo sea, y puede ser que no…

“Einstein.- Fíjese en la luz del sol…

“Vaz Ferreira.- ¿Y quién puede afirmar que esa luz es del sol y que el sol es él?

“Einstein.- Es que seguramente ni el sol es sol, ni la luz es la luz, ni que la estoy viendo, ni yo soy yo…

“Vaz Ferreira.- Yo no llego a ser tan radical. No afirmo que yo no sea yo, pero digo que es posible que no lo fuera, o que lo fuera.

“Einstein.- Usted dice que dice, pero por mi teoría, en verdad no dice nada…

“Vaz Ferreira.- Y por la mía, usted puede ser que esté diciendo algo, y puede que no.

“Einstein.- ¿Hablo con Vaz Ferreira?

“Vaz Ferreira.- Según mi teoría, puede ser que sí. “Y yo ¿hablo con Einstein?”

***

Carta de Einstein a Vaz Ferreira

(Remitida el 29/04/1925, en Montevideo)

Estimado Señor Vaz Ferreira:

Le agradezco mucho el precioso regalo que Ud. me ha ofrecido. He comenzado a leer vuestra obra sobre el pragmatismo. Yo no soy pragmatista. Encuentro que él /el pragmatismo/ da una definición bien imperfecta de la verdad.
Pero si yo fuera pragmatista, respondería a vuestra crítica del pragmatismo de la siguiente manera. “Yo no doy una definición de la verdad porque la verdad no existe. Se puede solo dar una definición de la verdad de un enunciado en relación con un complejo dado y bien determinado (limitado) de consecuencias”.
Un enunciado que es “verdadero” relativo a un cierto sistema restringido de consecuencias, no lo es más relativamente a un sistema más extendido de consecuencias. Yo agrego que no comparto este modo de ver el problema, pero si se miran de esta manera las cosas, entonces desaparece el error que Ud. menciona.
Pero le concedo que esta observación no cambia nada vuestra crítica del uso que James hace de su doctrina. Si se considera a la verdad, que es práctica, de sacar /derivar/ de un enunciado todas las consecuencias posibles y de controlar así las “verdades”, el pragmatismo no nos ofrece ningún medio nuevo para elegir y para juzgar.
Si, además, se subraya que la definición del pragmatismo de la verdad es insuficiente, porque él /el pragmatismo/ no define el significado de la palabra “consecuencias” (que debería ser de valor “práctico”).
Si se trata de completar este punto de vista, entonces se percibe fácilmente que la dificultad principal que se encuentra, si se quiere definir la verdad, no es resuelta, tampoco obviada -por la teoría pragmatista. Lamento mucho carecer de la posibilidad de tratar todas estas cuestiones hablando con Ud., a causa de los numerosos deberes sociales.
Lo saludo con todo mi corazón. Suyo A. Einstein

P/ost/ S/criptum/. Excuse el francés espantoso. Pero creo que Ud. lo prefiere a una carta en alemán.
P.S. Creo que el concepto “verdad” no puede tratarse separadamente del problema de la “realidad”.
N. del T. Vaz le había regalado a Einstein el libro Le Pragmatisme, traducción francesa de un libro que Vaz había escrito y editado y editado en Montevideo. (Ardao, Arturo: comunicación personal.)

(inscripción de la placa del monumento en la "Plaza de los Treinta y Tres")

_ 29 de Junio de 1861- 2011 _ PEDRO FIGARI _ 150 AÑOS _

2011-06-29T08:23:00.011-03:00

(Autorretrato - Pedro Figari)

PEDRO FIGARI fue un gran humanista que vivió entre dos siglos. Nació en el XIX y murió en el XX.
Fue abogado, legislador, escritor, filósofo, pedagogo y, por si todo eso fuera poco, pintor.

(otro autorretrato)

“El Dr. Pedro Figari nació en la ciudad de Montevideo el 29 de junio de 1861, siendo sus padres don Juan Figari de Lázaro y doña Paula Solari, naturales de Santa Margherita Ligure, quienes vivían en la calle Convención Nº 178 casi 18 de Julio. Pedro Figari fue el quinto hijo de un total de nueve hermanos.
Estudió Abogacía en la Facultad de Derecho de la Universidad de la República, en la que obtiene su título de Doctor en Derecho en 1886. El año anterior se había casado con María de Castro Caravia, hija de don Carlos de Castro, en la señorial casa ubicada en la esquina de Bartolomé Mitre y Buenos Aires, donde hoy tiene su sede el Consejo de Educación Primaria. Luego de un viaje a Europa, Pedro Figari se instala con su esposa en la calle Reconquista, entre Treinta y Tres y Misiones.
Pedro Figari fue adjunto de la Fiscalía de Hacienda entre 1883 y 1886. A partir de 1889, ya recibido de Abogado, ocupó el cargo de Defensor de Pobres. Fue allí que Figari profundizó sus estudios como penalista, habiendo ejercido en forma brillante su profesión de Abogado.

"En el año 1903, el Dr. Pedro Figari, quien fue un brillante jurista, en su calidad de Representante Nacional y de Presidente del Ateneo, promovió un intenso debate sobre la abolición de la pena de muerte. En una conferencia que pronunció Figari en el Ateneo el 4 de diciembre de 1903, expresó: “los días que preceden a una ejecución son de malestar social; el día en que se verifica el fusilamiento es de aflicción y no desaparecen tan pronto las molestias, las desazones que promueve ese innoble espectáculo.”
El Poder Ejecutivo promulgó la ley de abolición de la pena de muerte el día 23 de setiembre de 1907, cuyo artículo 1º prescribe : “Queda abolida la pena de muerte que establece el Código Penal.”

(Pedro Figari en su atelier)

FIGARI Y LA EDUCACIÓN

"En el campo de la educación, Figari fue un pensador y fue un hacedor, habiendo dejado un pensamiento en materia de educación y una formidable obra en materia educativa. La doctrina en materia de educación de Figari quedó plasmada en la serie de textos, ensayos y artículos publicados entre 1900 y 1925. La obra en materia de educación de Figari, fue la memorable reforma que llevó a cabo entre 1915 y 1917.

"Como afirma Arturo Ardao, en realidad el Dr. Pedro Figari es uno de nuestros grandes de la educación, así como también es el más grande filósofo uruguayo.
Dice Ardao: “Pedro Figari, célebre en los dominios del arte, en su condición de gran figura de la pintura americana contemporánea, es asombrosamente desconocido, en su propio país, como pensador. Y sin embargo, entre los desaparecidos, nadie le iguala en significación filosófica. Carlos Reyles, por ejemplo –para citar un consagrado nombre coetáneo, con el cual tiene algunos nexos ideológicos, aunque también profundas divergencias- está lejos de representar, bajo este aspecto, lo que él.
El pensamiento de Rodó es, desde luego, de mayor importancia histórico-cultural, por la identificación que tuvo con un momento de la conciencia espiritual del país y aún del continente; pero sin su estructura y su elaboración del punto de vista estricto de la filosofía. El caso de Figari, único en nuestra historia artística, lo es también en nuestra historia filosófica.”
En el año 1912, Figari publica su más fenomenal obra filosófica, cuyo título es “Arte, Estética, Ideal”, un libro de seiscientas páginas, que no tuvo repercusión en nuestro país. Traducido al francés por Charles Lasca, fue publicado en París en 1920, con prólogo de Henri Delacroix. Esta obra de Figari fue reeditada en Francia en 1926, con una extensa y entusiasta nota preliminar de Desiré Roustan sobre el arte y las doctrinas de Figari.
Esta reedición lleva el título de “Essai de Philosophie Biologique”, dado que es un verdadero ensayo de filosofía general, desde un punto de vista biológico-energetista.
Este libro de Figari comprende una teoría de la estética, una teoría del conocimiento, una metafísica, una filosofía de la religión, una antropología filosófica y una moral.

"Para Figari, arte e industria en el terreno educacional, son dos conceptos inseparables. Cuando en el año 1900 formuló el proyecto de ley sobre la Escuela de Bellas Artes, Figari quería una enseñanza artística que fuera industrial; en cambio, en 1915 cuando Figari organiza la Escuela Industrial, quiere una enseñanza industrial que sea artística. Quiso que la enseñanza industrial fuera la base de la totalidad de la instrucción pública. Para Figari, enseñanza industrial era sinónimo de “educación integral”.
Entre julio de 1915 y abril de 1917, Figari proyectó y aplicó la reforma de la enseñanza artístico-industrial. Como consecuencia de la obra de Figari, la Escuela de Artes y Oficios, creada por el Coronel Lorenzo Latorre en 1879, se transformó en la Escuela Industrial por ley de 1916, convertida luego en Universidad del Trabajo, por Decreto-Ley de setiembre de 1942, firmado por el entonces Presidente General Alfredo Baldomir.
Enseña Figari: “Al hablar del trabajo manual, no entiendo referirme a un trabajo mecánico de las manos, sino a un trabajo guiado por el ingenio, en forma discreta y variada, constantemente variada, que pueda determinar poco a poco, un criterio productor artístico, vale decir, estético y práctico, cada vez más consciente, y, por lo propio, más hábil y más apto para evolucionar.”
En el memorándum que Figari redactó en 1915, decía que la futura Escuela Industrial “prepararía además al personal de la Instrucción Pública Primaria, para que éste, a su vez, pueda formar el carácter industrioso del alumno, al propio tiempo que lo instruye teóricamente… los maestros y maestras deben adquirir conocimientos prácticos de producción, según sus aptitudes, a fin de que, al rotar, puedan difundir en todo el país formas múltiples de producción razonada.” En 1918, Figari concluyó enfáticamente afirmando que “la enseñanza industrial debe ser la base de la instrucción pública.”
El pensamiento educativo de Figari estaba lejos de una intención meramente teórica de la enseñanza, así como se oponía al concepto rutinario del oficio manual que era la tradición de la vieja Escuela de Artes y Oficios creada por Latorre.
Sobre este tema, decía Figari en su proyecto de 1910: “Dar instrucción práctica más bien que teórica, adoptando, en cuanto fuere posible, procedimientos experimentales, de modo que el alumno consiga por sí mismo la verdad o el resultado que busca.”
En el ensayo que Figari tituló “Educación integral”, que firma junto a su hijo Juan Carlos, afirma: “Desde que un pueblo superior no sólo es instruído, sino criterioso; no sólo hábil, sino emprendedor, ejecutivo, práctico, debemos trabajar. Sólo por el trabajo severo podemos conquistar un puesto eminente en el concierto internacional. Cada vez más la vida civilizada exige un fondo pensante, sesudo y ecuánime, y un ingenio sagaz y práctico, capaz de aprovechar de las ventajas que le ofrece el ambiente. Descuidar este axioma pedagógico de proyecciones individuales, sociales, humanas, es errar el camino más firme de la cultura escolar.”

"En el Uruguay tenemos tres grandes reformadores de la enseñanza: José Pedro Varela en la enseñanza primaria; Alfredo Vázquez Acevedo en la enseñanza secundaria y universitaria; y Pedro Figari en la enseñanza artístico-industrial.

"El pensamiento de Pedro Figari sobre la educación, lamentablemente ha sido el gran olvidado por los uruguayos, no fue entendido en su tiempo, decidió exiliarse voluntariamente a los cincuenta y seis años de edad y dedicarse a la pintura, de la cual tanto nos enorgullecemos.
Con razón ha podido decir el Prof. Luis Víctor Anastasía que: “Pedro Figari es una de las figuras más importantes de la cultura hispanoamericana. Y es también, en la misma medida, el gran desconocido. Basta pasar revista a las historias del pensamiento de lengua hispana, para advertirlo de inmediato. No existe, no se le menciona, no se le estudia.” Agrega más adelante estos conceptos medulares: “Las ideas de Figari no pudieron entonces transformarse en la filosofía de la cultura nacional. Hubieran exigido una postura muy radical en cuanto a la investigación y explotación de los recursos naturales y humanos del país, y el verdadero camino de una revolución industrial cultural autónoma.”

"Figari en 1915, en el memorándum que elevara al entonces Presidente de la República, Feliciano Viera, expresó: “Es indispensable llenar la necesidad primordial de producir riqueza, que es angular en la sociedad. ¿Qué puede hacer el ‘teórico’, que no sea enrolarse en las filas de los burócratas, o en la de los ‘intermediarios’ que viven sirviendo de algún modo, es verdad, pero siempre a expensas del productor? ¿Qué puede producir el que jamás ejercitó su ingenio en el sentido de transformar y utilizar las riquezas naturales? De esta laguna deriva la empleomanía, con sus tentáculos insaciables, y las diversas formas del proletariado intelectual, el que resulta ser un elemento de desequilibrio en la economía pública, precisamente porque es un evolucionado mental, ‘subjetivo’, simplemente el que exige formas superiores de convivencia y la incorporación de refinamientos, sin aportar nada más que su aspiración.”

"Pedro Figari murió el 24 de julio de 1938, en horas de la noche mientras dormía, en la casa de su hijo Pedrito, sita en Bulevar España 2731, casi Ellauri. Ese mismo día 24 de julio, falleció en Montevideo el escritor Carlos Reyles, ambos integrantes de la generación uruguaya del 900, a la que pertenecieron, entre otros, José Enrique Rodó, Delmira Agustini, Florencio Sánchez, Julio Herrera y Reissig.
El legado en materia de educación de Figari todavía espera que alguien se anime a tomar la antorcha para el engrandecimiento de nuestro país. Ese es el desafío que nos queda por delante.” (Página de la masonería uruguaya)

(un autorretrato más)

(Para visionar el video es necesario detener la música del Blog si está sonando)

Fuentes :
http://lamochila.espectador.com/
http://www.masoneriadeluruguay.org/

_ 24 de JUNIO de 1935 _ Murió CARLOS GARDEL _

2011-06-23T21:42:00.004-03:00

Todo sobre la historia de GARDEL y su origen uruguayo ya está publicado en este Blog.
Para verlo simplemente escribe Carlos Gardel en el BUSCADOR y das enter.

_ INVIERNO EN EL HEMISFERIO SUR _

2011-06-23T10:10:00.007-03:00

(Pintura de Leònid Afremov)

El 21 de Junio, a las 14 horas, entró el invierno en nuestro hemisferio.

(Para visionar los videos es necesario detener la música del Blog si está sonando).

_ 19 de JUNIO de 1764 _ JOSÉ GERVASIO ARTIGAS _

2011-06-18T21:30:00.006-03:00

("Artigas dictando a su secretario Monterroso", óleo de Pedro Blanes Viale)

Dámaso Antonio Larrañaga, en 1815, hace una descripción de Artigas cuando lo visita en Prurificación (Paysandú).

“... A las cuatro de la tarde llegó el General, el Sr. D. José Artigas, acompañado de un Ayudante y de una pequeña escolta.
Nos recibió sin la menor etiqueta.
En nada parecía un general: su traje era de paisano, y muy sencillo: pantalón y chaqueta azul sin vivos ni vueltas, zapato y media blanca de algodón, sombrero redondo con gorro blanco y capote de bayetón eran todas sus galas, y aún todo eso pobre y viejo.
Es hombre de una estatura regular y robusta, de color bastante blanco,
de muy buenas facciones, con la nariz algo aguileña, pelo negro, y con pocas canas: aparentaba tener unos 48 años ...”

LARRAÑAGA, Dámaso A. “Selección de Escritos”, Montevideo, Biblioteca Artigas

Artigas

Se las arregló para ser contemporáneo de quienes nacieron
medio siglo después de su muerte
creó una justicia natural para negros zambos indios y
criollos pobres
tuvo pupila suficiente como para meterse en camisa de once
varas
y cojones como para no echarle la culpa a los otros

así y todo pudo articularnos un destino
inventó el éxodo esa última y seca prerrogativa del albedrío

tres años antes que naciera marx
y ciento cincuenta antes de que roñosos diputados la
convirtieran en otro expediente demorado
borroneó una reforma agraria que aún no ha conseguido el
homenaje catastral

lo abandonaron lo jodieron lo etiquetaron
pero no fue por eso que se quedó para siempre en tierra
extraña
por algo nadie quiere hurgar en su silencio de viejo firme
no fue tosco como lavalleja ni despótico como oribe ni astuto
como rivera
fue sencillamente un tipo que caminó delante de su gente
fue un profeta certero que no hizo públicas sus profecías
pero se amargó profundamente con ellas

acaso imaginó a los futurísimos choznos de quienes
inauguraban el paisito
esos gratuitos herederos que ni siquiera iban a tener la
disculpa del coraje
y claro presintió el advenimiento de estos ministros alegóricos
estos conductores sin conducta estos proxenetas del
recelo estos tapones de la historia
y si decidió quedarse en curuguaty
no fue por terco o por necio o resentido
sino como una forma penitente e insomne de instalarse en su
bien ganado desconsuelo.

..............................** Mario Benedetti

2011-06-18T09:57:00.011-03:00

HACE 247 AÑOS NACÍA EL MEJOR DE TODOS LOS ORIENTALES

(Para visionar el video es necesario detener la música del Blog si está sonando)

Ver entrada del 18 / 06 / 2010, en este mismo Blog. _"Los amores de Artigas"

2011-06-18T09:54:00.003-03:00

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_ HUMOR PARA INTELIGENTES _

2011-06-16T22:56:00.002-03:00

Cualquier similitud con la realidad actual es simple coincidencia.

_Grandes divas del Cine _ Nacidas entre 1893 y 1956 _

2011-06-12T20:24:00.015-03:00

(Las imágenes se pueden detener posando la flecha del mouse sobre ellas).

(Si aparece un cartel sobre el pie de las fotos el mismo desaparece haciendo click sobre el ícono (X) de cerrar).

Son actrices de todas las épocas. Unas son ya leyenda, otras viven aún. Todas ellas forman parte de la historia mágica del cine mundial. La aparición está ordenada por fecha de nacimiento. He aquí la nómina, por supuesto que arbitraria e incompleta. Pruebe el lector a hacer la suya propia.
Mae West............EEUU 1893-1980
Gloria Swanson......EEUU 1898-1983
Marlene Dietrich....Alemania 1901-1992
Joan Crawford.......EEUU 1904-1977
Greta Garbo.........Suecia 1905-1990
Katharine Herpburn..EEUU 1907-2003
Bette Davis.........EEUU.1908-1989
Ginger Rogers.......EEUU 1911-1995
Paulette Goddard....EEUU 1911-1990
Hedy Lamarr.........Austria.1913-2000
Vivien Leigh........Inglaterra 1913-1967
Loreta Young........EEUU 1913-2000
María Félix.........México 1914-2002
Ann Sheridan........EEUU 1915-1967
Ingrid Bergman......Suecia 1915-1982
Joan Fontaine.......EEUU 1917
Rita Hayworth.......EEUU 1918-1987
Jennifer Jones......EEUU 1919
Maureen O’Hara......Irlanda 1920
Gene Tierney........EEUU 1920-1991
Lana Turner.........EEUU 1921-1995
Alida Valli.........Italia 1921-2006
Jane Russell........EEUU 1921
Deborah Kerr........Inglaterra 1921-2007
Ava Gadner..........EEUU 1922-1990)
Lauren Bacall.......EEUU 1924
Katty Jurado........México 1924-2002
Doris Day...........EEUU 1924
Marilyn Monroe......EEUU 1926-1962
Gina Lollobrígida...Italia 1927
Audrey Hepburn......Bélgica 1929-1993
Jean Simmons........Inglaterra 1929
Grace Kelly.........EEUU 1929-1982
Angie Dickinson.....EEUU 1931
Anita Ekberg........Suecia 1931
Elizabeth Taylor....Inglaterra 1932-2011
Anouk Aimeé.........Francia 1932
Kim Novak...........EEUU 1933
Joan Collins........Inglaterra 1933
Sophia Loren........Italia 1934
Briggitte Bardot....Francia 1934
Shirley MacLaine....EEUU 1934
Ursula Andress......Suiza 1936
Jane Fonda..........EEUU 1937
Romy Schneider......Austria 1938-1982
Natalie Wood........EEUU 1938-1981
Claudia Cardinale...Italia 1938
Raquel Welch........EEUU 1940
Ann Margret.........Suecia 1941
Linda Evans.........EEUU 1942
Catherine Deneuve...Francia 1943
Farrah Fawcett......EEUU 1947-2009
Lynda Carter........EEUU 1951
Bo Derek............EEUU 1956
...............**

_ Poetas Cantados _ MARIO BENEDETTI _

2011-06-11T09:07:00.005-03:00

Una mujer desnuda y en lo oscuro

Una mujer desnuda y en lo oscuro
tiene una claridad que nos alumbra
de modo que si ocurre un desconsuelo
un apagón o una noche sin luna
es conveniente y hasta imprescindible
tener a mano una mujer desnuda.

Una mujer desnuda y en lo oscuro
genera un resplandor que da confianza
entonces dominguea el almanaque
vibran en su rincón las telarañas
y los ojos felices y felinos
miran y de mirar nunca se cansan.

Una mujer desnuda y en lo oscuro
es una vocación para las manos
para los labios es casi un destino
y para el corazón un despilfarro
una mujer desnuda es un enigma
y siempre es una fiesta descifrarlo.

Una mujer desnuda y en lo oscuro
genera una luz propia y nos enciende
el cielo raso se convierte en cielo
y es una gloria no ser inocente
una mujer querida o vislumbrada
desbarata por una vez la muerte.

..................................................... Mario Benedetti

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_ "La Sociedad de los Poetas Muertos" _ SERAFÍN J. GARCÍA _

2011-06-05T10:38:00.017-03:00

SERAFÍN J. GARCÍA

Este gran poeta uruguayo nació el 5 de junio de 1905, en Cañada Grande, cerca de Vergara, departamento de Treinta y Tres. Fue bautizado como Serafín José García. Sus padres eran Serafín García, minuano de origen, y doña Sofía Correa, olimareña, integrante de una familia de viejo arraigo en aquel departamento. Se dice que su madre lo nombró José porque ella era devota de San José. Sus bisabuelos por ambas ramas de origen, tuvieron participación en las luchas por la independencia nacional.

A los 5 años de Serafín, su familia se trasladó a Vergara, pequeño pueblo de unos tres mil habitantes, donde cursó el ciclo primario. Concurrió a la escuela Nº 13 de varones, uno de sus maestros fue Lorenzo D’Auria. A los 10 años lavaba frascos en una farmacia del pueblo. Cuando contaba 14 años, falleció su padre circunstancia que cambió en gran parte su vida.
No tuvo otros estudios, habiendo realizado su formación cultural en forma enteramente autodidáctica.
Fue empleado de farmacia, aprendiz de tipógrafo, ayudante de rematador público y bibliotecario. Comenzó a escribir y a publicar en los periódicos del pueblo, recibiendo el reconocimiento de su poesía cuando él se animaba a darla a conocer.

Poco después de cumplir los veinte años se radicó en la ciudad de Treinta y Tres, donde ingresó a la policía, operando como telefonista y encargado del archivo de la Jefatura olimareña. Allí continuó escribiendo y comenzó a publicar en los periódicos de la capital departamental. Editó en 1935 su libro más conocido, “TACURUSES”, de versos criollos, convirtiéndose en un éxito literario, a tal punto que es el libro más veces re-editado en el Uruguay. Obra que se encontraba tanto en la biblioteca de alguien refinado y culto, lo mismo que en la maleta del tropero o en la memoria recitativa de los peones de estancia o de los agricultores.

Modesto guardia civil, desconocido poeta y literato, en 1935 comienza una larga trayectoria al servicio de la poesía y de la literatura del Uruguay. .
En el año 1936, a poco de ser publicada su primera obra "Tacuruses", Serafín J. García recibiría por su obra el "Premio Ministerio de Instrucción Pública".
Gabriel Terra, que siendo presidente constitucional se había convertido en dictador, autorizó al Ministerio del Interior para que adquiriera 300 ejemplares de la obra "Tacuruses", a efectos de ser distribuidos en las distintas Jefaturas de Policía del país, "con encargo de hacerla conocer al personal de sus dependencias". Recordemos que Serafín era policía, pero recordemos también que “Tacuruses” fue considerado siempre un grito de protesta contra la injusticia social y política en la campaña uruguaya; basta recordar el poema “Orejano” que integra dicho libro.
También -como premio a su destaque literario- Serafín fue designado, para ocupar un cargo vacante de Subcomisario en la 8va. Sección (Santa Clara de Olimar), del departamento de Treinta y Tres, cargo que nunca ocupó, porque continuaría prestando servicios en la propia Jefatura departamental.

En 1940, Serafín J. García solicitó el retiro y se fue a vivir en Montevideo.
Publicó, numerosas obras en verso y en prosa : cuentos, fábulas, crónicas, ensayos, obras humorísticas y estampas. Sus relatos para niños fueron adoptados por Primaria y Secundaria como lecturas en escuelas y liceos del país.
Sus obras han sido objeto de numerosas ediciones, algunas se encuentran traducidas al inglés, francés, italiano, portugués y al yiddish. Selecciones de su producción han sido incluidas en antologías nacionales y extranjeras En el ámbito nacional obtuvo el primer lugar en nueve concursos oficiales y en tres de índole particular. Entre los de carácter oficial recibió el Premio Rodó, concedido por la Intendencia de Montevideo y el Trienal de Literatura del Ministerio de Educación y Cultura de los años 1981- 1983.
Su obra PIQUIN Y CHISPITA fue seleccionada entre todas las publicadas de 1967 y 1968 entre las diez mejores de la producción internacional de libros para niños, esta distinción significó ser incluido en el cuadro de honor del premio “Hans Chistrian Andersen”, en Bologna, abril 4 de 1970.

Obtuvo cinco veces premios de literatura en los concursos anuales del Ministerio de Instrucción Pública (actual M.E.C.), y tres en otros concursos de carácter diverso.
Dio numerosas conferencias sobre literatura gauchesca en Uruguay, Argentina, Brasil y Paraguay.
Nominado en el año 1974 para ocupar un lugar en la Academia Nacional de Letras, no aceptó dicha designación. Posteriormente, en 1983, nuevamente fue convocado, para ocupar el sillón “Dámaso Antonio Larrañaga” de la Academia, en sustitución de Santiago Dossetti; Serafín aceptó esta vez tan alta distinción. Entre los homenajes tributados se destaca el que le rindieron espontáneamente sus amigos y admiradores en ocasión de cumplirse veinte años de la aparición de Tacuruses. También le rindió homenaje el Consejo Nacional de Gobierno, en sesión del 9 de octubre de 1956. Y el realizado en el Paraninfo de la Universidad de la República, en vísperas de conmemorarse las bodas de plata de dicha publicación.

Falleció en Montevideo el 29 de abril de 1985, casi al cumplir ochenta años y pocos meses antes del cincuentenario de la aparición de “Tacuruses” .
Todas sus pertenencias fueron donadas por su esposa Blanca Elma González, a la Biblioteca Pública “Serafín J. García”, de Vergara. En la misma existe una exposición permanente, dedicada al poeta, que se inauguró el día 17 de agosto de 1997.

Libros Publicados

En verso: Tacuruses, Tierra amarga, Raíz y Ala, Romance a Dionisio Díaz, Flechillas, Sus mejores Poemas, Todos los Romances.

En prosa: En carne viva, Burbujas, Barro y sol, Panorama de la Poesía Gauchesca y nativista del Uruguay, Asfalto, Las Aventuras de Juan el Zorro, Agua Mansa, Los Partes de don Menchaca, Cuentitos Fogoneros (estas dos ultimas obras con el seudónimo de Simplicio Babadilla), 10 poetas Gauchescos del Uruguay, El Totoral, Nuevos cuentitos Fogoneros, Los mejores cuentos, Piquin y Chispita, Leyendas y supersticiones, Blanquita, Cuentos y Crónica, La vuelta al camino, Estampas Uruguayas, Primeros Encuentros.

Algunos poemas de "TACURUSES"

OREJANO

Yo sé qu'en el pago me tienen idea
porque a los que mandan no les cabresteo;
porque dispreciando las güeyas ajenas
sé abrirme caminos pa dir ande quiero.

Porque no me han visto lamber la coyunda
ni andar hocicando p'hacerme de un peso,
y saben de sobra que soy duro'e boca
y no me asujeta ni un freno mulero.

Porque cuando tengo que cantar verdades,
las canto derecho nomás, a lo macho,
aunq'esas verdades amuestren bicheras
ande naide creiba que hubiera gusanos.

Porque al copetudo de riñón cubierto
-pa quien n'usa leyes ningún comisario-
lo trato lo mesmo que al que sólo tiene
chiripá de bolsa pa taparse'l rabo.

Porque no m'enyenan con cuatro mentiras
los maracanases que vienen del pueblo
a elogiar divisas ya desmerecidas
y hacernos promesas que nunca cumplieron.

Porque cuando truje mi china pal rancho
me olvidé que hay jueces p'hacer casamientos,
y que nada vale la mujer más güena
si su hombre por eya no ha pagao derecho.

Porque a mis gurises los he criao infieles
aunqu'el cura grite qu'irán al infierno,
y digo ande cuadre que pa nada sirven
los que sólo viven pirichando el cielo.

Porque aunque no tengo ni en qué cáirme muerto
soy más rico qu'esos que agrandan sus campos
pagando en sancochos de tumba reseca
al pobre pión, qu'echa los bofes cinchando.

¡Por eso en el pago me tienen idea!
¡Porqu'entre los ceibos estorba un quebracho!
¡Porque a tuitos eyos les han puesto marca
y tienen envidia de verme orejano!

¿Y a mí qué m'importa? ¡Soy chúcaro y libre!
¡No sigo a caudiyos ni en leyes me atraco!
¡Y voy por los rumbos clariaos de mi antojo
y a naides preciso pa'hacerme e'baquiano!

**

PIONA

Dende muy gurisita
se te gana en la ropa y en el cuerpo
ese tufo emperrao de las cocinas
qu'es mestura de hoyín, de humo y de sebo,
y atrás del que anda siempre'l macherío
como perrada hambrienta atrás de un güeso.

No bien los catorce años
t'encarosan los pechos
y la naciente redondés de'l'anca
t'enyena el vestidito'e percal viejo,
ya el algariao patrón, o el mayordomo,
andan buscando ande tumbar tu cuerpo.

Y en cuanto t'hincha el vientre'l primer hijo,
ya se cren con derecho
a un lugar en tu catre y en tu carne
hasta los pobres piones galponeros,
porque vos, infelís, sos en el campo
láunica cosa que no tiene dueño.

Cuasi no hay año que no echés al mundo
un gurí rubio, amulatao o negro,
porqu'en las noches emparejadoras
se confunden los pelos,
y más si son dos vidas solitarias
las qu'entreveran sangre y sufrimiento.

Uno aquí y otro ayá, por las estancias
-pelusa'e cardo qu'esparrama el viento-,
esos hijos sin padre se te quedan,
mientras vos ves gastarse tu deseo
de ajuntarlos un día
en un rancho con sol, alegre y nuevo.

Y así vas, de hombre en hombre,
de cocina en cocina envejeciendo,
hasta qu'inútil ya, descangayada,
sin servir pal fregón ni pa los besos,
terminás cuasi siempre tu esistencia
cebando mate'n un quilombo'e pueblo!

**

MATRERO

Resueyo del monte cuajao en coraje.
Altivo aletaso de la libertá.
Cerno endurecido de macheses gauchas
que sólo la muerte consiguió ablandar.

Corasón caliente de los campos potros
latiendo en la entraña de la soledá.
Tutano'e los cerros filosos y ariscos.
Colmiyo'e la sierra. Facón del pajal.

Tropero de sombras, domador de rumbos,
patrón de horisontes baquiano y audás,
tu vida jué un libre volido de toldo
surciendo distancias, sin nunc'anidar.

Tuviste por cama los pastos del monte.
Por techo, el ramaje del coroniyal.
Jué arruyo'e tus sueños el canto'e los ríos
y el silbo'e los vientos entre'l flechiyal.

Dos gauchos con alas rondaron tus noches:
el tero alarife y el libre chajá.
Y en los recovecos de tus madrigueras
sus trampas d'espinas armó el ñapindá.

Y cuando crusaste, tajiando la noche,
s'hinchó el campo'e lomas pa verte pasar;
chistó la lechusa, cayaron los tigres,
y los cimarrones dejaron de auyar.

Pa vos lució el alba sus pilchas rosadas;
pa vos abrió flores punsó el sucará;
por vos munchas noches la luna, mimosa,
en l'anca'e tu flete se vino a sentar.

Y juiste la estampa más gaucha y airosa
qu'en sueños las chinas miraron pasar,
prendido a los flecos del poncho el misterio
¡y al cinto el rumbero de la libertá!

**

GURISES

Cuasi siempre los pare una sirvienta
que también nació así, como los gatos,
en un catre arrumbao y color mugre
o en el suelo nomás, arriba'e trapos.

Dispués, en un cajón, negriando'e moscas
el chupete sin leche, sucio y agrio,
aprienden poco a poco que de nada
en la vida'e los pobres sirve'l yanto.

Y se quedan cayaos horas enteras,
mordiendo sus piesitos y oservando
a la madre, que va de un lao pal otro
con su olor a fregones y a trabajo.

Cuando saben gatiar ya precipean
a juirse a los galpones y a los patios,
y áhi se crían, lambidos por los perros
y comiendo imundicias con los chanchos.

De jugar cuasi nunca tienen tiempo.
Muy lejo'en lejo', cuando viene a mano,
paran rodeo a una tropiya'e güesos
o arman alguna boliadora'e marlos.

Y apenitas aprienden'andar solos
y aguantarse'n el lomo de un cabayo,
ya'stán entreveraos con la pionada,
pagándose'l pirón y los andrajos.

¡Ansina los he visto en las estancias
de portera e candao y de güen pasto,
and'entr'hileras de alambraos tirantes
lustran el anca los noviyos chatos!

HOMBRADA

¡Mándensén mundar tuitos a la puta!
¡No quiero sabandijas en mi rancho!
¡P'aguantarle los secos a la pena
no precisa'e culeros el qu'es macho!

¡Vamos! ¡Juera de aquí, manga'e trompetas!
¡No esperen que los saque a rebencasos!
¡A mentir a otro lao! ¡A mí esas lástimas
sólo consiguen enyenarme de asco!

¡Si m'hija jué pa ustedes una pluma!
¡Si ustedes jueron los que la mataron
a juersa'e picotiar en su conduta
como en la oveja cáida los caranchos!

¡Dispués qu'eya, la pobre, tuvo el hijo,
como a perra sarnosa la cuerpiaron;
jué una brosa nomás, una largada;
sólo sirvió pa risa y pa estropajo!

¡Ninguno se acordó qu'eya era güena
-un alma'e Dios que a naides hiso daño-,
y aguantó la infelís, com'una marca,
el disprecio safao de tuito el pago!

¡Su nombre recorrió las pulperías
manosiao y babiao por los borrachos,
jué la farra'e las chinas en los bailes
y en las ruedas de mate de los ranchos!

Y aura que ya murió la pobrecita,
cansada de vivir hecha un pingajo,
¿tienen coraje pa venir tuavía
a lechuciar ande la'estoy velando?

¡Mándensén mudar tuitos! ¡Machos y hembras!
¡Aquí ya no hacen falta los caranchos!
¡A campiar a otro lao carnisa fresca
ande se puedan empachar pulpiando!

¡Juera de aquí, sotretas! ¿No me han óido?
¿'Tan esperando que los curta'laso?
¡Aquí ya'stá de más la chamichunga!
¡Ya no hay a quien sangrar en este rancho!

¡Juera de aquí! ¡Si pa velar su cuerpo
y darle sepoltura yo me basto!
¡Si no precisa agayas emprestadas
p'apechugar las penas el qu'es macho!

**

Dedicatorias del libro TACURUSES :

"A SOFIA CORREA,
porque supo ser la madre que yo necesitaba.
Por su ternura, que restañó mis tristezas.
Por su tristeza, que incubó mis rebeldías."
S. J. G."

"A BLANCA,
mi compañera en el esfuerzo y el sueño,
en la lucha y la esperanza. A ella que, como yo,
procede de la entraña desgarrada del campo,
y conoce la raíz de su angustia
y el obstruido rumbo de su llama."
S. J. G."
Treinta y Tres, 1935."

Fuentes _ Wikipedia y página web de la Biblioteca de Vergara

Fotografía perteneciente al Archivo Nacional de la Imagen (SODRE).

_ ¿ SE ACUERDAN DE... ? _ KIM NOVAK _

2011-05-29T21:51:00.056-03:00

En este ciclo de posts "¿Se acuerdan de...?", van a ir apareciendo actrices y actores de cine del pasado (muchos ya fallecidos); que incluso no son conocidos por las nuevas generaciones, pero forman parte de la mejor historia de la cinematografía mundial. Aquellos visitantes del Blog que, como yo, tengan más de cincuenta o sesenta años de edad, sin duda revivirán buenos momentos al ver las imágenes y tener una mínima información biográfica de cada uno de esos personajes del cine. Para los jóvenes puede ser una oportunidad de conocer a las "estrellas" de ayer. Recordemos que no había internet y la televisión era casi desconocida por estos lares. Sólo llegaban las películas y algunas revistas que casi nadie podía comprar.

KIM NOVAK

Marilyn Pauline Novak, es su verdadero nombre. Nació el 13 de febrero de 1933 en Chicago, Illinois. Su padre era profesor y funcionario municipal de tráfico; y su madre, maestra. Kim no fue una buena estudiante, además de que le molestaba que le dijeran qué hacer. Cuando terminó sus estudios escolares trabajó como modelo en grandes almacenes de la ciudad, y consiguió una beca para ingresar en una escuela de modelos. Años más tarde, Novak realizó diversos trabajos, intentando encontrar su camino para el futuro. Fue empleada de tienda e incluso asistente de un dentista, pero como no se sentía satisfecha volvió a su profesión de modelo, que según ella había desempeñado bien.

(foto de la primera época, cuando no era aún Kim Novak)

Entonces se marchó a Los Ángeles, California, para buscar suerte como modelo en esa ciudad. Comenzó a trabajar como modelo hasta que un directivo de los estudios RKO le ofreció un papel muy pequeño en una película de 1953, así fue que debutó en Hollywood al lado de otra sex-symbol de la época, la exuberante Jayne Mansfield, en la película "The french line".

Como su nombre era Marilyn, el productor Henry Cohn, de la Universal Pictures, la obligó a cambiarlo. Ella insistió que su apellido fuera el verdadero, de manera que se pusieron de acuerdo en Kim Novak.
Luego tomó clases de actuación y en 1954 apareció en su segunda película "Pushover", esta vez como protagonista, junto a Fred MacMurray.
Aunque su actuación no fue digna de mención, los críticos y las audiencias se fijaron en su atractivo físico y en la expresividad de sus ojos, de forma que unos meses después volvió a actuar en otra película, "Phffft" (1954), esta vez con el actor Jack Lemmon.

Sus primeras y frescas actuaciones causaron conmoción entre los aficionados al cine, su físico traspasó la pantalla en títulos como "La calle 99" (1954), dirigida por Richard Quine, un realizador con el que volvió a coincidir en el futuro en tres ocasiones.

Fue 1955, uno de los años más importantes de su carrera, al protagonizar tres películas: "Five against the house", de Phil Karlson; "El hombre del brazo de oro", con Frank Sinatra y dirigida por Otto Preminger, y "Picnic", de Joshua Logan, con William Holden.

(Novak con Frank Sinatra, en "El hombre del brazo de oro")

En "PICNIC", hizo una de las actuaciones más recordadas por sus admiradores : “No recuerdo cuando vi por primera vez "Picnic", pero tuvo que ser en televisión. La sorpresa fue descubrir a una de las mujeres más sensuales que ha dado jamás el cine: Kim Novak. Es la chica cañón del pueblo al que llega William Holden, un vagabundo que revoluciona a todas las mujeres a su alrededor. Coinciden en una fiesta. Holden, medio borracho, intenta bailar con una jovencita muy inexperta. Novak, los observa. Comienza a bailar sola, mientras baja una escalera (como nadie ha hecho nunca) hacia él. Se cimbrea y acompasa su movimiento con sugerentes palmadas. Se detiene al llegar al último escalón y lo invita con la mirada a unirse a ella. A él se le pasa la borrachera de golpe. La toma de la mano y bailan mientras sus cuerpos se van aproximando hasta que sus caras casi se tocan. Se miran como si estuvieran solos sobre la faz de la Tierra. Están sobre una nube. Ni siquiera llegan a besarse, no hace falta, todos sabemos lo que está pasando, lo que están haciendo. Pocas veces se ha reflejado la tensión sexual, la pasión y el deseo de modo tan sutil a la vez que evidente y profundo en la pantalla.”

(En la película "Picnic", con William Holden)

Pero el filme más importante en el que apareció fue la fascinante obra de Alfred Hitchcock, "Vértigo" (1958), co-protagonizada por James Stewart, en la que Novak interpretó el papel de Madeleine. “Vértigo” es hoy un clásico indiscutible, pero en el año 1958 fue un absoluto fracaso. El tiempo supo ponerla en el lugar que le corresponde. Kim Novak, en su doble papel de la vulgar Judy y el sublime fantasma de Madeleine, tocó el cielo protagonizando la, para muchos, mejor película de Hitchcock, "Vértigo".

(Con James Stewart, en "Vertigo" de Alfred Hitchcock, 1958)

"Sus ojos divinos, vestidos ceñidos y los peinados bicolor que luce en esta obra maestra ayudan a crear la atmósfera onírica, angustiosa y romántica de una historia de amor más allá de la muerte", dijo un crítico.

Después estrenó la comedia “Me enamoré de una bruja” (1958), en donde volvió a trabajar con James Stewart y Jack Lemmon, pero la película no funcionó nada bien; al igual que otros de sus posteriores títulos como “Una vez a la semana” (1962), que además se encargó de producir. "La misteriosa dama de negro" (1962) con Jack Lemmon.

(Kim Novak con Cary Grant)

En “Bésame, tonto” (1964), trabajaría a las órdenes de Billy Wilder, y la película tampoco fue nada bien recibida en ese momento, de hecho fue catalogada de inmoral.
También en 1964 se estrenó "Servidumbre humana", con Laurence Harvey; esa fue una muy buena actuación de la Novak, según la crítica especializada de la época.
A partir de aquí la carrera interpretativa de Kim Novak se desarrollaría de manera intermitente.

(Kim Novak en "La misteriosa dama de negro", 1962)

Volvería al cine con títulos como “La leyenda de Lylah Clare” (1968), “El desafío de Búfalo Blanco” (1977), o “Gigoló” (1978) junto a David Bowie.

Si bien, en la década de los 60-70, su figura erotizó las distintas producciones en las que participó, las películas en las que actuó no fueron buenas, motivo por el cual tuvo que orientarse hacia la televisión, donde aprovechó las oportunidades para participar en producciones de mayor audiencia.

Es así que en la década de los ochenta se convirtió en una presencia más habitual de la televisión, gracias a su participación en “Malibú”, “Alfred Hitchcock presenta” o en la mítica “Falcon Crest”.

En cine, trabajaría con Mike Figgis en “Pasiones prohibidas” (1991), pero el rodaje fue un infierno por sus continuas disputas con el director. A Figgis le parecieron tan excesivos los berrinches de la actriz que decidió eliminar su personaje en la sala de montaje, y Kim Novak acabó tan "quemada" que vio que ya había llegado el momento de decir adiós.
En una posterior entrevista reconoció que aceptar trabajar en “Pasiones prohibidas” fue un error y pidió perdón a Mike Figgis por haberse comportado durante el rodaje de manera tan poco profesional.

Una década más tarde hizo su última película para la gran pantalla, "Liebestraum".

Premios _ En 1955 con la película "Picnic" ganó el Globo de Oro a la nueva estrella del año - Actriz y fue Nominada al Premio BAFTA a la mejor actriz.

...................(con el primer esposo, Richard Johnson)................... (con el segundo esposo Robert Malloy)

La actriz estuvo casada con el actor Richard Johnson (1965) del que se divorció al cabo de un año.

Luego se casó (1976) con Robert Malloy, veterinario de profesión, con el cual vive en la actualidad en un rancho en Oregon y ahí se dedican a la cría de caballos y llamas.

Al margen de sus matrimonios, Kim Novak mantuvo romances con Cary Grant, Frank Sinatra, Ali Khan y Sammy Davis Jr. Esta última fue una relación interracial que, en plena década de los 50, estaba muy mal vista. Al final, Davis Jr., se vio obligado a casarse con una de sus coristas.

La actriz estuvo a punto de escribir sus memorias pero un incendio provocado en su casa en el año 2000 destruyó el archivo en donde se contenía un borrador de su autobiografía, también se quemaron otros objetos de valor, como algunos guiones, entre ellos el de “Vértigo”.

La otrora estrella del cine es una apasionada del arte e invierte gran parte de su tiempo libre en la pintura, la escultura, la fotografía e incluso en la poesía.

Su última aparición pública la realizó en el Teatro Egipcio de Los Ángeles (2009), donde la Cinemateca Americana le brindó un homenaje.
Kim Novak tiene hoy 78 años de edad y se mantiene en excelente forma física.

A continuación les dejo un video con la escena más conocida de la película "PICNIC", el famoso baile con William Holden.

(Para visionar el video es necesario detenr la música del Blog, si está sonando)

(Las imágenes fijas se pueden agrandar)

_ Dos grandes artistas y el "AVE MARÍA" _

2011-05-27T10:49:00.007-03:00

(Mirusia Louwerse_ Soprano australiana)

MIRUSIA LOUWERSE

Mirusia Louwerse nació en el suburbio de Brisbane, Australia. Hija de padres holandeses, habla tanto el inglés como el holandés y ambas son sus lenguas maternas. Fue la ganadora más joven del concurso de cantantes de ópera en Australia "Dame Joan Sutherland Concours". Lo ganó cuando tenía19 años. Se graduó en 2006 del "Queensland Conservatorium", de Brisbane.
Es una soprano lírica que ha actuado en Óperas como "La flauta mágica" de Mozart y otras muchas del repertorio clásico mundial.
Ha hecho giras con el violinista y director de orquesta André Rieu desde 2007. En mayo de 2008, André Rieu y Louwerse lanzaron un álbum titulado "Waltzing Matilda", que llegó a la posición número uno en las listas musicales de Australia y fue disco de platino en 10 días.

ANDRÉ RIEU

André Rieu nació en Maastricht, Holanda, el 1 de octubre de 1949. Es un violinista y director de orquesta.
Inició su carrera musical siendo niño y perteneció a diversas orquestas hasta que en 1987 fundó la suya propia, con el nombre holandés de «Johann Strauss Orkest» y a partir del año siguiente empezó su fulgurante carrera de éxitos por todo el mundo, comenzando por su propia patria, y convirtiéndose en una de las grandes estrellas de la música. Tocó con los más prestigiosos divos del pop o del rock, al tiempo que ganó multitud de adeptos y aficionados a su música.

Con su característico estilo de difundir la música clásica, que otrora parecía reservada a las clases de élite o acomodadas, André Rieu decidió ponerla al servicio de un público joven y en aquellos lugares que dichos jóvenes suelen frecuentar, tales como plazas públicas, estadios deportivos u otros, bien sean de ocio o culturales. Y lo consiguió con gran éxito, pues ganó diversos premios como el top 10 o el 100, este último ostentando un número uno. En sus palabras:

“Pero no sólo mi corazón de músico está en Maastricht. También como persona, como esposo, como padre me siento aquí en casa. Estoy casado con una chica de Maastricht y mis dos hijos han nacido aquí. Tenemos una vida de lo más normal, a pesar de la agitación que a veces conlleva la vida de artista. Cuando paseo por la ciudad, me saludan con un “ha jong, hoofste neet te wèrreke vandaog?” (¡eh, chico! ¿es que no trabajas hoy?) ¡Me encanta! Ni me piden autógrafos, ni fotos, ¡así es la gente de Maastricht! Pero hay algo que sí hacen, y me siento a veces muy cohibido. Me lanzan aquel piropo que sólo la gente de Maastricht sabe decir así: “ Sjiek jong, totste eine vaan us bis!” (Fantástico, chico, que seas uno de nosotros). Entonces me saltan las lágrimas y me siento superorgulloso.”

El violín que usa en la actualidad es un Stradivarius construido en 1667 por este famoso luthier.

(André Rieu y Mirusia Louwerse)

(Para visionar el video es necesario detener la música del Blog, si está sonando)

26 de MAYO _ DÍA DEL LIBRO EN URUGUAY _

2011-05-25T22:23:00.004-03:00

“Que otros se jacten de las páginas que han escrito; a mí me enorgullecen las que he leído”.

Jorge Luis Borges.

"Para viajar lejos, no hay mejor nave que un libro".

Emily Dickinson

(Para más información sobre "El Día del Libro en Uruguay" ver post del 26/05/2010)

Imágenes de Internet

_ 18 de MAYO _ BICENTENARIO de la "BATALLA de Las PIEDRAS" _

2011-05-17T09:10:00.014-03:00

("La Batalla de Las Piedras", cuadro de Manuel Rosé)

La Batalla de Las Piedras

"Cuando en Buenos Aires, la Junta de Mayo de 1810 declaró la independencia de España, la ciudad de Montevideo se mantuvo fiel al trono español; pero algunos criollos importantes no estuvieron de acuerdo. Entre ellos, José Gervasio Artigas, que era Capitán del principal cuerpo militar de la ciudad y del territorio uruguayo entonces conocido como la Banda Oriental. Destacado en la ciudad de Colonia como Capitán de una compañía de Blandengues, desertó el 15 de febrero de 1811 y viajó a Buenos Aires, donde se unió al movimiento revolucionario, quedando a las órdenes de la Junta de Buenos Aires.

"El 28 de febrero de 1811, dos criollos, Pedro Viera y Venancio Benavídez habían proclamado la independencia de la Banda Oriental de la corona española, en el conocido "Grito de Asencio”. Ello produjo una inmediata respuesta de los pobladores de la campaña oriental, en la cual de hecho dejó de ejercerse la autoridad colonial; y muchos se unieron al ejército de milicianos que Artigas estaba formando.

José Artigas cruza el río Uruguay, llegando a Mercedes donde emite su “Proclama al pueblo Oriental” (Proclama de Mercedes), que culmina con las vibrantes palabras:
“…A la empresa compatriotas, que el triunfo es nuestro: vencer o morir sea nuestra cifra…”

"Los patriotas avanzan hacia Montevideo, se les incorporan fuerzas orientales del este, el norte y el oeste.

(La Batalla de Las Piedras _ cuadro de Diógenes Hecquet)

"El objetivo de Artigas, era avanzar con sus fuerzas sobre la plaza fortificada de Montevideo, para ponerle sitio; es decir, cercarla y tratar de penetrar sus defensas, para desalojar a las autoridades que respondían al trono español.

Con ese propósito, Artigas desplazó sus fuerzas desde Mercedes (24 de abril) en dirección al sur, llegando a ocupar la población de Nuestra Señora de Guadalupe; actual ciudad de Canelones. El 10 de mayo alcanza el arroyo "Canelón Chico".

Desde Montevido, Javier de Elío, envió al encuentro de Artigas un contingente militar de unos 1.200 hombres al mando del Capitán José Posadas.
Los soldados españoles, eran militares profesionales, dotados de 6 cañones de artillería, 2 obuses lanzadores de granadas explosivas, y buen armamento de fuego, fusiles que eran de los más modernos de su época.
Estaban instruídos en la realización de maniobras militares y en el empleo eficiente de su armamento.

"La milicia revolucionaria estaba compuesta de unos 400 soldados de a pie y 600 jinetes. Carecían de preparación militar, porque eran principalmente paisanos, también había indígenas y negros libertos, todos ellos hábiles jinetes, y expertos en capturar el ganado salvaje. El armamento era totalmente improvisado, apenas tenían algunas armas de fuego rudimentarias; y sobre todo disponían de armas improvisadas, como cuchillos, lanzas construídas con hojas de tijeras de esquilar atadas a las cañas tacuaras y otros utensilios propios de las tareas ganaderas, como el lazo y las boleadoras.

"El enfrentamiento tuvo lugar el 18 de mayo de 1811 en campos próximos al pueblo de Las Piedras, hacia las 11 de la mañana. Los españoles, que habían llegado por el camino desde Montevideo, adoptaron su posición de batalla sobre una zona de altura, muy cerca del arroyo "de Las Piedras" que quedó a sus espaldas.
Artigas, que había ubicado su fuerza al frente, destacó un grupo de infantería al mando de Antonio Pérez, que amagó un ataque acercándose a la distancia de alcance de tiro de los trabucos españoles, pero cuando éstos abrieron fuego simuló una retirada en derrota. Eso provocó que los españoles salieran de su ventajosa posición para perseguirlos; circunstancia en la que el grupo de caballería artiguista, al mando de Manuel Artigas, logró infiltrarse por el flanco izquierdo del contingente español en un movimiento envolvente, y llevó a cabo su ataque, quedando los españoles entre dos fuerzas atacantes.
La batalla duró varias horas. Hacia las 5 de la tarde las tropas españolas habían quedado derrotadas; y los revolucionarios orientales habían obtenido la primer victoria sobre los españoles.

"Posadas izó la bandera blanca y se rindió ante Artigas; en uno de los episodios que fueron luego tema de una de las pinturas patrióticas de Juan Manuel Blanes.
La actitud de Artigas al finalizar el combate fue tolerante y compasiva. Según la Prof. Ana Ribeiro: "Había blandengues de los dos lados, había españoles de los dos lados, eso es una cosa que hay que tener presente, sobre todo cuando se habla de esa frase tan discutida y repetida, “clemencia para los vencidos”, porque el odio al español se generalizó más adelante, pero en ese momento, hasta quince días antes, todos estaban del mismo lado y eran vecinos y parientes y gente que compartía el territorio y un sentimiento de identidad".

"Artigas envió al padre Valentín Gómez, capellán voluntario del ejército revolucionario, a recoger el sable que -como señal de rendición- Posadas había clavado en el piso y ordenó dar auxilio a los heridos.

(La Batalla de Las Piedras _ cuadro de Juan Manuel y Juan Luis Blanes)

Principales consecuencias del triunfo oriental en Las Piedras

"La batalla de Las Piedras fué en primer gran triunfo militar de la revolución en el Río de la Plata. Como tal, significó un episodio de gran trascendencia histórica, que tonificó el espíritu revolucionario americano.

Su principal consecuencia militar fue que Artigas pudo sitiar Montevideo, en cuyas afueras acamparon sus fuerzas; recibiendo la asistencia de un ejército porteño enviado desde Buenos Aires al mando del Gral. José Rondeau. Todo el territorio de la Banda Oriental quedaba fuera de la autoridad de los españoles.

Por una parte, la fuerza militar española en el Río de la Plata quedó prácticamente eliminada, al haberse apoderado Artigas de buena parte de su mejor armamento. Eso movió al Virrey Elío, sitiado en Montevideo, a recurrir a la ayuda del gobierno de Portugal mediante la invasión de la Banda Oriental por el norte, desde el sur del Brasil. Ello comenzó un largo período de intervención portuguesa primero, y brasileña después, que de alguna forma pautó el desarrollo de nuestra historia hasta la Independencia."

Fuentes :
http://www.escueladigital.com.uy/historia/batallas/laspiedras.htm

(Las imágenes se pueden ampliar)

_ "La Sociedad de los Poetas Muertos" _ LÍBER FALCO _

2011-05-14T09:01:00.025-03:00

LÍBER FALCO _ Cuando la poesía permanece _

Líber Falco nació el 4 de octubre de 1906 en el barrio de "Villa Muñoz". Y murió el el 10 de noviembre de 1955. El propio Falco dice, en uno de sus más conocidos poemas, haber nacido en "Jacinto Vera"; pero todas las biografías de él dicen que nació en el primero.
Lo cierto es que los límites de los barrios montevideanos no son muy precisos y éstos que se mencionan están muy cerca uno de otro.

Siendo hijo de un peón de panadería, alternó por distintos trabajos, entre los que se encontraron el de empleado de imprenta, peluquero, vendedor de pan y luego corrector de pruebas de diarios y libros.
Contrajo matrimonio a los 29 años y no tuvo hijos.
Sus primeros versos los escribió a la edad de dieciséis años.

"Es en la monotonía del paisaje de este barrio formado por casas iguales que sintió el despertar a un mundo diferente.
El poeta dice en un reportaje: "Quizá la propia uniformidad de este paisaje donde amaneció mi mirada de niño me obligara a pensar y entonces me pareció la vida una cosa un poco monótona pero también bastante misteriosa".
Probablemente sea la misma uniformidad de los ranchos de Jacinto Vera que lo obliga a elevarse hacia la luna, símbolo abstracto de una poesía inalcanzable, pura y perfecta, en el poema "Biografía".
Este poeta, de escasa formación intelectual, supo encontrar, quizás en forma intuitiva, un camino de comunicación con el lector que se siente identificado con las imágenes y los sentimientos que aparecen en sus versos.
De muchos de sus poemas surgen imágenes que son propias del ambiente cultural montevideano, lo que permite que en el reconocimiento de lo que nos es común, pueda existir un lazo de unión inmediata.

Dice Alberto Paganini en un artículo de la revista CEIPA: "La poesía de Falco es una poesía de intuición directa. Las palabras no son barreras para el lector, sino el camino más rápido y seguro".
Los grandes temas que se desprenden de su producción son: la muerte, la angustia, la soledad, el amor hacia la gente y las cosas, el tiempo. Muchas veces emplea formas simbólicas reiteradas, casi obsesivas, otras empleara formas explícitas, directas.
En el prólogo del libro "Tiempo y Tiempo" dice Heber Raviolo: "Hay un aspecto que es imposible pasar por alto en la poesía de Falco: en una primera instancia, pocos poetas podemos encontrar en el panorama de nuestra literatura, más atormentados, más angustiados por el soplo helado de aquellos grandes personajes, viejos como el hombre y la poesía: el tiempo, la soledad, la muerte. Pero no obstante ello, su obra rebosa de vitalidad, y aun en sus momentos más desolados parece trascender una salud espiritual que transforma lo que pudo ser un desesperante callejón sin salida en un verdadero cántico de amor, de amor en la alegría y en el dolor, en la soledad y en la amistad, en la muerte y en la vida".

Comparada con los otros poetas, su vida fue sencilla y monótona, moviéndose en lo cotidiano desempeñando pequeños oficios.
Fue siempre pobre, compartiendo lo que tenía con Chela su compañera. Tuvo amistad con muchos escritores de la Generación del '45 lo que permitió su acercamiento a los medios intelectuales, pero el poeta no cambió por ello la sencillez en la forma de concebir la existencia. En su poesía encontramos una aparente simpleza que puede engañarnos porque su creación tiene una gran profundidad filosófica. Parece un juego de contrarios que podría ser un paralelismo de su forma de comprender la vida: sencillo en lo exterior, trascendente en el pensamiento.
La originalidad falqueana reside principalmente en la austeridad del lenguaje que emplea. Las palabras, en sus versos están libres de toda exuberancia, no hay imágenes brillantes, ni luminosas, sino una total desnudez. No necesita apoyarse en una adjetivación recargada, ni en recursos gramaticales laboriosos, ni en figuras extravagantes para lograr ese tono confesional y humilde que penetra en el espíritu en forma directa.
La brevedad y la concentración de la expresión tiene como consecuencia la intensidad, que es una de las características de su estilo. El poeta muchas veces utiliza reiteraciones, como en el poema "Biografía"; antítesis, como en "Lo inasible"; polisíndeton, como en "Luna"; una exhortación como en "Despedida", sin abandonar nunca la limpieza y profunda sencillez de su verso.
Su obra poética fue breve.
En 1940 publica su primer libro: "Cometas sobre los muros" con veintiún poemas.
En 1942 "Equis Andacalles" con diecisiete y en 1946 "Días y noches" con todos los poemas de "Equis Andacalles", dos de "Cometas sobre los muros" y doce nuevas composiciones.
Después de su muerte sus amigos de la revista "Asir" publican 'Tiempo y Tiempo" con poesías que Falco tenía en preparación para este proyectado volumen.
http://letras-uruguay.espaciolatino.com/falco/falco.htm

Sus intereses literarios fueros variados, destacándose algunos escritores rusos como Dostoyevski y Tolstói, franceses como Romain Rolland y gran parte de la poesía latinoamericana, en particular la del último César Vallejo.

Sus poemas ejercieron una gran influencia en generaciones posteriores de artistas uruguayos. Asimismo, los mismos han sido fuente de numerosas canciones interpretadas por artistas de la talla de Los Olimareños, Larbanois-Carrero, Abel García, Eduardo Darnauchans, Jorge Lazaroff, Jorge Bonaldi y Daniel Viglietti entre muchos otros.

POEMAS DE LÍBER FALCO

Biografía

Yo nací en Jacinto Vera.
¡Qué barrio Jacinto Vera!
Ranchos de lata por fuera
y por adentro madera.

De noche blanca corría,
blanca corría la luna
y yo corría tras ella.
De repente la perdía
de repente aparecía,
entre los ranchos de lata y
por adentro madera.

!Ay, luna, mi luna blanca.
Luna de Jacinto Vera!

**

Sobre los muros

Hoy subo veinte cometas.
¡Sobre los muros
veinte cometas!

Debajo de un muro triste
estaba mi corazón.
Como un avaro oculto contando su dinero,
estaba mi corazón.
¿Como un avaro o como un prisionero?
Ah...

¡Júbilo marinero!
no más muro carcelero
mi corazón prisionero.
Ya sobre los viejos muros,
está mi corazón.
Y sobre el muro que el hombre
puso al hombre
está mi corazón.

Sube mi corazón, cometa mía.
Roja lágrima mía, encendida en el día
y en el día latiendo amaneceres.
¡Sube! Mi corazón...!

**

III

Fuera locura pero hoy lo haría;
Atar un moño azul en cada árbol.
Ir con mi corazón de calle a calle.
Decirle a todos que los quiero mucho.
Subir a los pretiles,
gritarles que les quiero.
Fuera locura,
pero hoy lo haría.

**

V

Volví a mi casa
bajo la niebla de la tarde triste.
Pasé por calles
junto a muros viejos.
Nadie lo vio
y mi corazón lloraba.
Mi corazón a veces se desviste.

Hermanos,
bajo la niebla de la tarde triste,
desnudad vuestra alma;
que el corazón es viejo y sabio.
Y el corazón existe.

**

Infancia

Vivías en una casa grande.
Grandes pájaros asomaban a tus ventanas.
Y como si todo por primera vez
por vez primera todo se aprestara a vivir
cada mañana de nuevo y siempre
descubrías las cosas y los seres del mundo,
de nuevo y siempre cada mañana siempre.

Mas, el tiempo pasó.
Pasaron días y días; tiempo y tiempo.
Y vino, y sobrevino la noche.

**

Recuerdo

¿Cómo diré ahora que te amaba
si pasó tanto tiempo?
Si apenas lo sabía entonces.
Si tú tenías quince años.

A través de aquel cerco de cinacina
yo te veo muchacha.

Tu andar de pájaro,
tus gorjeos, saludando a la mañana.
Qué milagro el día.
Y cada día qué milagro.

¿Cómo diré que tú vivías,
que yo te ví,
y que otros te miraron?

Cantar

Ya todos ya se fueron.
Ya todos ya te olvidan.
Y tú quedaste solo,
tú solo con tu vida.

**

Invitación

Tengo un atajo en el cielo
por donde sólo yo paso.
Pero hoy tú vendrás conmigo,
conmigo vendrás del brazo.
Tú, muchacha, y mis amigos,
todos iremos del brazo.

Tengo un atajo en el cielo.
Vendrás tú, iremos todos.
Todos iremos del brazo.

Líber Falco
(de "Tiempo y tiempo" - 1938)

Fuentes _ http://letras-uruguay.espaciolatino.com/falco/falco.htm
Wikisource
(Para visionar el video es necesario detener la música del Blog, si está sonando)

_ "BOTELLA AL MAR" _ MARIO BENEDETTI _

2011-05-07T08:48:00.007-03:00

El siguiente video contiene imágenes de la costa uruguaya, con música del Cuarteto Zitarrosa y la voz de Mario Benedetti diciendo su poema "Botella al mar", del libro "Cotidianas" (1978-1979).

BOTELLA AL MAR

El mar es un azar
qué tentación echar
una botella al mar

poner en ella por ejemplo un grillo
un barco sin velamen y una espiga
sobrantes de lujuria algún milagro
y un folio rebosante de noticias

poner un verde un duelo una proclama
dos rezos y una cábala indecisa
el cable que jamás llegó a destino
y la esperanza pródiga y cautiva

el mar es un azar
qué tentación echar
una botella al mar

poner en ella por ejemplo un tango
que enumerara todos los pretextos
para apiadarse a solas de uno mismo
y quedarse en el borde de otro sueño

poner promesas como sobresaltos
y el poquito de sol que da el invierno
y un olvido flamante y oneroso
y el rencor que nos sigue como un perro

el mar es un azar
qué tentación echar
una botella al mar

poner en ella por ejemplo un naipe
un afiche de Dios el de costumbre
el tímpano banal del horizonte
el reino de los cielos y las nubes

poner recortes de un asombro inútil
un lindo vaticinio de agua dulce
una noche de rayos y centellas
y el saldo de veranos y de azules

el mar es un azar
qué tentación echar
una botella al mar

pero en esta botella navegante
sólo pondré mis versos en desorden
en la espera confiada de que un día
llegue a una playa cándida y salobre

y un niño la descubra y la destape
y en lugar de estos versos halle flores
y alertas y corales y baladas
y piedritas del mar y caracoles

el mar es un azar
qué tentación echar
una botella al mar

Mario Benedetti

(Para visionar el video es necesario detener la música del Blog si está sonando)